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Jorge López Galería participa en Swab 2022 con obras de Álvaro Porras Soriano (Ciudad Real, 1992) y de Victoria Iranzo (Cuenca, 1989).

Álvaro trabaja en torno a la reunión de referencias contextuales e historiográficas. Su producción, desde distintos cuerpos materiales, pero consecuente con los procesos de representación pictóricos, atiende a ciertos relatos culturales específicos y a la búsqueda e interpretación de sus códigos simbólicos. 

Victoria con su trabajo muestra un nexo donde se mezclan la experiencia y la ilusión a través de la óptica de la incertidumbre. La artista se muestra como una creadora en constante evolución, con un lenguaje propio en el que la razón y el orden dialogan bajo sus reglas.

MONUMENTO, es la primera exposición individual del artista argentino, residente en Roma, Matías Ercole en el espacio expositivo de Jorge López Galería.
Un proyecto ideado específicamente para el espacio de Jorge López Galería, que reúne obras de diversos formatos. Imágenes en tinta y cera sobre papel entelado de gran formato en una competencia de escala con la arquitectura misma de la sala.
El trabajo de Ercole se asienta sobre la certeza de que el dibujo es capaz de hacer visible lo invisible y, en sus últimas obras se centra en el estudio de un personaje: la luz como eje de su sistema.
A la que se aproxima simultáneamente desde diferentes abordajes, técnico, físico y poético. A través de ella se estructuran y confrontan visiones del mundo. Según el propio López “en la obra de Matías hay un discurso totalmente cerrado hacia la abstracción y el gesto, un discurso que nos guía entre la oscuridad y la luz que nos llevan a viajes que re- memoran obras renacentistas o barrocas”
El paisaje es la iconografía central en la cual discurren sus investigaciones. En esta ocasión, en “Monumento”, la luz se vuelve “rara”. Una luz que el artista piensa propia de sus geografías.
Alucinada, valorizando lo fuera de sí, la idea de locura y un exotismo desde el cual se ha pensado la América Latina.

Como paradigma estético, la contemplación del paisaje reflexiona sobre los componentes suprasensibles que resaltan los elementos arquetípicos de la escena que se observa. En cambio, estar en el paisaje, pertenecer al medio, inmiscuirse en el escenario, es un ejercicio político que señala el paisaje según la relación del sujeto y el medio.

Planteando estas dos afirmaciones en conjunto, podemos decir que aquellos actos estéticos de configuración de la experiencia a través de la observación, introducen formas alteradas de subjetividad política a través de la mirada.
Estar en el paisaje implica definir mentalmente la noción de “pays”, en relación a las fuerzas orquestales de los estados y la realidad del contexto. La mirada política ante el paisaje implica la presencia de un observador frente a un objeto real, en su caso, ante un territorio. Si bien, la expansión del paisaje al margen de su fisicidad, el omnipaisaje mental, ha provocado que las consideraciones identitarias y políticas del paisaje tradicional sean un cuerpo psicológico y etéreo. El paisaje como medio reconocible se ha transformado en un escenario como lugar mental proyectado.

La exposición I Have a Dreams to cross the Reality es un conjunto de posiciones críticas del lugar propio que evocan escenas particulares, siendo estas, las representaciones de las líneas que dibujan la mente de sus autoras. Estas escenas combinan en un todo-lógico las piezas que componen el proyecto desarrollado por Victoria Iranzo (Cuenca, 1989), Cristina Ramírez (Toledo, 1981) y Gema Quiles (Vila-real, 1994) en el espacio de Jorge López. Las obras de estas tres artistas ejemplifican cómo la confección de escenas contextuales es una práctica destinada a dar presencia al devenir-mundo del pensamiento subjetivo, somatizado e identitario. La creación de estas escenas, desde un punto de vista antropológico, es una respuesta al fin de las utopías políticas. Sin embargo, es una respuesta negativa ante la determinación de tal fin.

Cada una por su parte, propone una mirada hacia contextos específicos en los que la identidad ofrece una desregulación de las posiciones hegemónicas de la representación pictórica.

La obra de Iranzo alude al cuerpo femenino como paradigma de la representación, el cuerpo abandona la distancia con el paisaje y sucede el abrazo entre los objetos representados.

Ramírez busca los espacios liminales de la representación entre lo real y lo ficcional, entre la construcción narrativa de un paisaje coherente que se encuentra con la simulación subjetiva de un espacio desconocido.

Y, por su parte, la pintura de Quiles es una representación de un paisaje idílico, un imaginario simbólico en el que la mirada se acerca y aleja a su antojo para extraer al paisaje de las fuerzas que lo sostienen.

Have a Dreams to cross the Reality , es un alegato de la pintura de paisaje contemporánea que no rechaza la proyección utópica y, como respuesta política, se aferra al retorno de lo evocativo. Una pintura que se reformula con respecto a las corrientes hegemónicas del siglo XX en tanto que pierde el centro del cuerpo ante la acción pictórica, en pro de un cuestionamiento del propio cuerpo ante los símbolos que representan su presencia. No es casualidad que este discurso se pronuncie en la suma de la producción de tres mujeres pintoras. El paisaje, como construcción mental ante lo real, no puede escapar de la significación del cuerpo de quién lo analiza y de quién se aproxima a él; la representación no puede ser indiferente a la biopolítica del espacio, ni a la identidad de la mirada.

Welcome, learn how to dream

Estructuras constantes confluye en un encuentro espacial de volúmenes y planos, el nombre de la exposición ha sido importado de la teoría y armonía del jazz y la música popular. Se refiere a una progresión consecutiva de acordes con diferentes notas de raíz que une tonos dispares en una entidad cohesiva.

Una perspectiva musical trascendida y superada en la forma. Desde el proceso de vaciar para conseguir que el vacío llene la obra, que la emoción llegue sin necesidad de explicación. Del arte que emociona sin explicarse, y del que necesita una explicación para emocionar. En Estructura constante vamos a hablar del arte sereno, y del que se ubica del lado de la búsqueda permanente; de lo crítico, de mirar y sentir, de sentir y emocionarse. De la creación como encuentro: aproximación, lectura y reflexión.

Dos artistas: Amparo Tormo (Valencia 1960) y Leo Burge (Londres 1991), se encuentran en un sugerente diálogo, en un acorde inspirador donde las percepciones de ambas realidades estéticas son confrontadas, permitiéndonos comparar y reflexionar las prácticas artísticas de ambos, así como las injerencias del lenguaje entre las generaciones y los universos que los unen y los separan.
La apuesta consiste en reflexionar sobre el encuentro y comprobar que existen trabajos que se aproximan entre sí – de un modo no jerárquico ni lineal –, estableciendo diálogos por sí mismos.
De allí este juego intemporal de correspondencia simbólica o visual, donde pueden casi verse, en un ritmo de constantes estructuras, procesos y transformaciones, distintas formas de abordar los mismos tópicos como la pervivencia de esquemas, materiales o temáticas. La luz y las sombras nos inducen a la observación, a un análisis de lo esencial; a reducir elementos en una búsqueda de armonía, interrogando los limites de la capacidad sensitiva y expresiva de los materiales, con rigor, con perfección… nos lleva a toparnos con cambios lentos que confieren claridad, precisión y objetividad a la obra, logrando así una lógica composición de elementos, si bien singularmente estructurada.

En el recorrido por la exposición, la línea nos va guiando por la extensión de la sala, la surca y la interrumpe, como si de un acorde se tratara.
Las obras funcionan como sonidos y armonías en el espacio, unas susurran, otras golpean en un legato, mientras el espectador deambula, entre pliegues y estructuras, sombras y luces que vacilan alrededor del plano, como si fueran armónicos que suben y bajan para lograr una melodía.

La voz de Leo Burge se cruza con el murmullo de Amparo Tormo, la una con la otra, la otra con la una. Una sucesión de planos, líneas, huellas, rastros y sombras entre volúmenes que nos presentan lo invisible como relato, donde no hay precisamente “relato”.
Una estructura constante como resultado o fuga, una armonía perfecta, imposible de atrapar.
Estructuras constantes esta dispuesta como intervalos del jazz, las obras de Leo Burge y Amparo Tormo consiguen momentos de disonancia y armonía a través de la repetición y la variación en serie, la contraposición de dos o más miradas y lo que de ellas emerge como representación. El uso de materiales robustos e industriales por los artistas a menudo entra en conflicto con la ligereza y fragilidad etérea que encarnan sus obras, una dicotomía siempre presente en este pentagrama, desde el minimalismo, al arte procesual. Vemos como se articulan, confluyen en formas destiladas, atmósferas y texturas que nos invitan a tomar- nos nuestro tiempo y contemplar esta puesta en escena.

Oliver Johnson se sumerge en un proceso largo y complejo en el que los colores se aplican al soporte en innumerables capas con las que construye superficies transparentes que juntas evocan una forma de ilusión como experimentos dentro del marco, una serie de normas metódicas y pautas de color expresando un espacio que no se puede percibir de otra manera que no sea presencial. Sus múltiples veladuras crean un intersticio entre la superficie y el soporte, a través del cual penetra la luz, provocando un efecto especial, abrumador y meditativo al mismo tiempo.

Sus obras reflejan una experiencia que difícilmente pueden ser traducidas a palabras.

En la obra de María García Ibañez, el proceso lento se convierte en un fin en si mismo que desvela la futilidad de una realidad aparente. Su trabajo recala en sistemas de células, entendidas estas como la unidad mínima de representación que le permiten a la artista articular otras relaciones entre materialidad y representación. Entre el mensaje y la estructura que lo forma y sostiene.

Boneless es un proyecto experimental e inédito en España.
Ha sido seleccionado por Madrid Crea 2021 para ser desarrollado dentro del contexto de residencia en Matadero Madrid.
El proyecto reflexiona acerca de lo monstruoso en la actualidad utilizando la representación teatral, la mecánica y el sonido.
En el siglo XIX se crearon unos artilugios llamados Autómatas que imitaban la figura y el movimientos de un ser animado. Eran unos instrumentos o aparatos que encerraban dentro de sí el mecanismo que les imprimía determinada actividad. Paralelamente en el tiempo Mary Sheele en su novela Frankenstein también cuestionaba la ambición humana por generar vida después de la muerte y el origen del monstruo. ¿Podemos concebir lo monstruoso como todo aquello que no podemos controlar, que no vemos y que podría tener graves consecuencias en nosotros?
Para Arte Santander presentamos un grupo de esculturas blandas (textiles) que dialogan como cuerpos pictóricos en el espacio junto con un video resultado del registro de la performance desarrollada por bailarines donde se busca dar vida a las figuras inertes y también reflexionar acerca de lo siniestro como formas ajenas al orden regular de la naturaleza.

El proyecto plantea una visión conjunta y una visión del otro desde una perspectiva histórica y cultural de los otros: “otros” en el sentido clásico lacaniano – enfundados en su condición de extranjeros- son como el otro.
“Juntos en 40m2” se concibe en València, pero se  produce entre Berlín y Altea; ubicaciones en las que los artistas han creado sus obras.
Fundada en 2022 y ubicada en València, el proyecto y el programa de Jorge López Galería se han conformado para entablar un diálogo entre artistas jóvenes y consagrados, poniendo en valor el rigor y compromiso con el arte contemporáneo.
Jorge López Galería es un testigo del tiempo, que traza puentes de dos direcciones entre Iberoamérica y Europa, con sede en el Mediterráneo.

Una nueva galería plantea un comienzo, un comienzo plantea un problema en su forma más básica: una idea, un proyecto, un esfuerzo. Un buen comienzo requiere la precisión y la habilidad de decir las cosas con sencillez, a la altura de los ojos.
Un buen comienzo requiere de una nueva actitud, una actitud regenerada.
Para este inicio de temporada la actitud que buscamos es la de decir ¡BASTA!… Esto es una explosión, como el Punk. Una actitud llena de rabia, velocidad, ruido, incorrección, inconformismo, negación, oposición y provocación que se originó en la escena contracultural británica en los años setenta del siglo XX y que se extendió por la escena creativa, social y política globalmente. Una explosión cuyos efectos hacen del punk uno de los referentes culturales más influyentes del S.XX y que hoy se refuerza por los desplazamientos culturales de la contemporaneidad.
Esta forma alternativa de percibir la sociedad se desarrolló a partir de unas cuantas bandas nacidas en torno a fanzines, tiendas de moda y salas de conciertos que mostraron su oposición a las convenciones y el panorama sociopolítico, haciendo de la negación, la velocidad y la falta de virtuosismo su leitmotiv. Fue una reacción a una sociedad marcada por el fin del sueño hippie, el regreso del conservadurismo, la aparición del terrorismo, la crisis del petróleo y la falta de futuro para los jóvenes condenados al paro. “No future” fue uno de los eslóganes que el punk se apropió de movimientos culturales anteriores como el situacionismo y el dadaísmo. Pero a diferencia de ellos, el punk surgió en medio de la cultura de masas, lo que propició su expansión más allá del mundo anglosajón y escapó de los límites de la música. Esta expansión superó el fenómeno histórico concreto, convirtiendo el punk en un adjetivo que califica una forma de entender el mundo.
El objetivo del PUNK. Se trata de corroborar una intuición de que más allá de las di-visiones que existen entre artistas, tendencias o medios, hay un ruido rabioso que une a muchos creadores. Es decir, la actitud punk, cuya historia puede rastrearse desde el dadaísmo hasta el situacionismo, sigue muy viva en la producción artística contemporánea. Retomar la famosa frase “el punk (no) ha muerto” es afirmar que efectivamente el punk es uno de los muertos vivientes, un zombi que ha seguido ganando adeptos.
Ninguno de los artistas de esta exposición por nacimiento fue testigo del movimiento originario, pero en ellos encontramos el uso de elementos que hacen revivir en un nuevo momento esa actitud, como el ruido, la tipografía recortada, el antidiseño y la fealdad; o la inclusión de referencias musicales directas. El punk como actitud: la negación, la oposición y la destrucción; el bricolaje; la referencia al miedo y al terror en una sociedad que aliena a los individuos; el nihilismo; la crítica al sistema económico y la anarquía; y la propia reivindicación de una neoliberación sexual, el cuerpo como lugar de batalla en una nueva producción artística contemporánea y su fuerte unión con la actitud de los años setenta. ̈Punk Beginnings 2022 – New tracks ̈ revela los principales elementos que definen la actitud de una nueva generación de artistas como forma de entender la cultura y, por extensión, de estar en el mundo.
EL PUNK NO HA MUERTO VIVA EL PUNK.

̈Un Estado Salvaje. Windows Crashing ̈ es la primera exposición individual del artista francés Guillaume Cabantous (París 1977) en España. La muestra se presenta en Jorge López Galería con un montaje expositivo integral, que entiende el espacio interior como una extensión del soporte del artista.
Las obras de Cabantous están realizada con parabrisas de coches, como objetos icónicos de consumo; como analogía sobre la velocidad de nuestra sociedad. En esta era de comunicación instantánea, de tareas múltiples y de desaparición deliberada de las fronteras entre el mundo físico y la proyección digital existente, se produce una mimesis nerviosa y disparatada hacia la memoria del paisaje, una convergencia por superar los límites de la velocidad contemporánea. ̈Un Estado Salvaje. Windows Crashing ̈ es un viaje a través de una ventana a 180km por hora por un cristal de un coche, donde la primacía del espacio invisible se sobrepone sobre lo visible en un choque con la materia.
El final de un ciclo y la transformación de uno nuevo. Una ventana a toda velocidad donde vemos el mundo en movimiento para distorsionarlo, fraccionarlo y re enfocarlo. Una ventana de automóvil, que frustra la memoria de un paisaje; escenas desintegradas en un mosaico de cristales a modo de píxeles que unen la velocidad y la materialidad.
̈Un Estado Salvaje. Windows Crashing ̈ es una alegoría al mundo contemporáneo, donde la imagen es un concepto liquido, donde los temas se pierden y se fragmentan en patrones, como si tradujeran las imágenes digitales en un recuerdo. Ventanas de realidad transformadas por un shock, un golpe que las dobla y nos enseña la crudeza, la violencia y la fragilidad de nuestro entorno.
Su obra presenta un efecto dramático presente en la forma de utilizar el vidrio, un material eterno con características mágicas. El artista lo rompe a golpes para transformarlo pero al final, siempre será lo que era: una ventana, un parabrisas donde ver la realidad en movimiento.
La pobreza de los materiales nos recuerda al Arte Póvera, pero cargado de velocidad, actualizado, contemporizado tras un gesto cuidadosamente estudiado. Guillaume trabaja con el accidente, con la ruptura y el pliegue, representa el fracaso mítico de una sociedad agresiva como un montón de cristales rotos modelados, discretamente peligrosos pero agradablemente tristes. Desde su movimiento, su naturaleza hasta sus reacciones, nada se deja al azar, juega con el material para confundirnos en la ilusión de ligereza y flexibilidad, masas de vidrio banales y abruptas. Finas y primitivas a la vez.
Las distopías siempre parecen utópicas al principio; todo está roto pero sigue siendo esperanzador, la transformación y el cambio es reversible.