Exposiciones 2025

El trabajo de Keke Vilabelda se enfoca en los procesos de construcción y transformación del paisaje natural y el espacio urbano contemporáneo. A través de la pintura investiga nuestra relación cambiante con el entorno y los nuevos modos de observarlo. Sus obras se construyen mediante la interacción de múltiples técnicas y un amplio abanico de materiales, como el cemento o el metacrilato, así como medios fotográficos y digitales, generando un lenguaje propio pero muy diverso.

La obra de Federico Miró representa paisajes naturales a través de una técnica que evoca el arte textil, sugiriendo la textura de tejidos entrelazados y patrones que pertenecen a otra época. Estos elementos invitan a reflexionar sobre el tiempo que implica la creación de sus piezas.

Mónica Maneiro, encargada del texto de la exhibición, puntualiza “En las pinturas de Keke Vilabelda la materia se desplaza por acción mecánica, se abre por presión generando paisajes que surgen de las propias obras. La idea del accidente como potencia, del error como fuerza creadora, aparece para poner en valor lo impredecible. En la pintura de Federico Miró el fallo está implícito en el propio andamiaje del motivo, nada funciona, los planos de representación coexisten, como en una deriva de memoria que intenta coser el collage de nuestra visión del mundo”.

Vilabelda es licenciado por la UPV en 2009.  Máster en Artes en Central Saint Martins London en 2011. Cuenta con exposiciones individuales en España, Reino Unido, Bélgica, Perú, Polonia, Colombia, México, Portugal y Australia. Además, ha participado en importantes ferias y exposiciones colectivas de China, Alemania, Estados Unidos, Italia, Francia, Portugal o Suiza. Ha recibido numerosos premios y becas por instituciones, entre las que destacan: SMTCHI New Sensations, BMW Ibérica, La Real Academia de San Carlos, el Ayuntamiento de Valencia y el Gobierno de España. Ha realizado residencias en Casa Wabi Oaxaca, Casa Velázquez de Madrid ZonaSeis México y Fundación Miró Mallorca.

En cuanto a la formación de Federico Miró obtuvo su licenciatura en Bellas Artes en la Universidad de Málaga en 2013 y realizó el Máster de Investigación en Arte y Creación en la Universidad Complutense de Madrid en 2014. Algunos de sus logros más destacados incluyen la Beca de la Casa Velázquez en 2025, el primer premio de pintura Manuel Ángeles Ortiz de la Universidad de Jaén en 2020, el premio BMW de pintura a la innovación en 2017 y el primer premio en la exposición “Salón de Verano” en la sala Moncloa en Madrid en 2014.

Las galerías madrileñas F2 y Ponce y Robles participan en esta exposición.

En un gesto de complicidad geográfica y sensibilidad compartida, dos galerías  —ATM y Jorge López —, una arraigada en el Atlántico septentrional de Gijón y la otra proyectada hacia la luz mediterránea de Valencia, han decidido tejer un diálogo conjunto para dar cabida a una propuesta que transita entre lo íntimo y lo expansivo, presentando a una joven artista en la feria SWAB de Barcelona.

La elección de Marta Valledor (Santander, 1995) como eje de esta colaboración no responde al azar, sino a una voluntad clara de apostar por una voz emergente cuyo trabajo ya ha empezado a alterar con sutileza el panorama del arte contemporáneo español.

Valledor, recientemente incorporada a la colección del Museo de Arte Moderno de Santander y galardonada en Swab 2025 con el Premio Kells Collection, sin haber alcanzado aún su plenitud, destaca como una promesa a tener en cuenta entre las jóvenes generaciones de artistas españoles.

La práctica artística de Miguel Rothschild (Buenos Aires, 1963) se adentra en las tensiones entre lo sagrado y lo profano, lo sublime y lo frágil, lo devocional y lo irónico. Desde Berlín, ciudad en la que reside desde hace tres décadas, ha desarrollado un lenguaje en el que materiales cotidianos —vidrio estallado, nylon, alfileres, hilos de pescar, confeti, diamantes de cristal— se transforman en vehículos de lo numinoso, en paradojas visuales que desestabilizan la percepción y complican la experiencia estética.

Como recordaba Walter Benjamin, “no existe un documento de cultura que no lo sea al mismo tiempo de barbarie”. Y también advertía que, al salir de las iglesias y entrar en los museos, las imágenes religiosas perdieron su función litúrgica, pero conservaron su valor cultural. Es en ese umbral donde se sitúa Rothschild: no pretende restaurar la fe perdida, sino activar una memoria visual cargada de símbolos desplazados, de restos, de aura en retirada.

La exposición “Felices los que creen sin haber visto” despliega esa tensión en un conjunto de obras que reactivan la potencia simbólica de lo sagrado mediante estrategias matéricas, visuales y poéticas. En Lo Numinoso, la transparencia y la vibración de hilos de pescar tensados sobre papel fotográfico condensan la búsqueda de lo invisible, la intuición de una presencia que no puede mostrarse sino insinuarse. Esa misma fragilidad aparece en Absolución, donde las fotografías de confesionarios convertidas en juegos de precisión con bolas de acero convierten el rito del arrepentimiento en azar y repetición. La violencia sobre la imagen abre paradójicamente un horizonte de redención: la herida se convierte en vía de liberación.

Extracto del texto de Iñaki Martínez Antelo

En línea con el espíritu Palán-Palán, la galería Jorge López abre sus puertas a distintas “invasiones”, apariciones inesperadas de obras ajenas: en algunos casos los invitados son amigos, en otros, artistas admirados, en otros aún, la elección es casi aleatoria. En todo caso, el encuentro enriquece ambas partes y esclarece las intenciones recíprocas: Alberto se propone el desafío de mirarse a través del otro, desentrañando en breves textos el vínculo que lo une a quien cohabita su espacio.

Al difuminarse el límite entre el yo y el otro, también se complejizan las nociones de autoría y de propiedad: la relación intercambiable entre todos y la resignificación mutua hace a la exposición y, más en general, al sistema, incluso en términos de valor simbólico.

Extracto de texto de Benedetta Casini, curadora Independiente.

Es un proyecto realizado para la feria CerARTmic 2025, reuniendo a 3 artistas destacados como : Javier Bravo de Rueda, Eduardo Barco y Pablo Bellot, como si trataramos de un catálogo imposible, una arqueología de situaciones que nunca existieron, pero que habitan en cada obra de cerámica.

Aquí, la cerámica es tratada como una forma viva, que recuerda, que respira, que grita, que escribe y que sueña.

Este proyecto parte de una intuición: la cerámica no es solo tierra cocida, es voz endurecida por el fuego , es cuenco, es urna, es ladrillo.

Cada obra guarda un eco en 3 estadios: el fuego, el grito y el código.

La cerámica, aquí, es algo más que un objeto.

Es testigo.

Es voz.

Es archivo.

Tierra de Nadie es el proyecto ganador de la primera edición del Programa Petrona, una iniciativa del Departamento de Internacionalización de la Cultura del Ministerio de Educación y Cultura de Uruguay y que recibe el apoyo de la Universidad Miguel Hernández de Altea, España.

El proyecto se desarrolla en el marco de la segunda residencia de Jorge López Galería, donde la artista uruguaya Candela Bado es invitada a trabajar durante un mes en la Universidad Miguel Hernández de Altea y está comisariado por Agustina Bornhoffer.

Candela Bado crea instalaciones que consideran la relación entre objetos que dividen el espacio interior doméstico y las estructuras exteriores que lo operan. En su obra utiliza el azulejo explorando su función limítrofe, simultáneamente registrando en su superficie la transformación de materia. En la acumulación y disposición de estos elementos cerámicos, la cuadrícula se convierte en un sistema de orden y tensión, articulando una espacialidad que propone nuevas formas de interpretación desde la observación cenital y la constelación de objetos.

Desde una mirada matérica, Tierra de Nadie examina el tránsito de los cuerpos dentro y fuera del hogar a través de la circulación de elementos como el agua, el cristal, la cerámica y el metal, poniendo en tensión la función de estos sitios construidos, ya sean como un lugar de contención o de exclusión. En este sentido, la obra cuestiona la manera en que los lenguajes arquitectónicos han sido utilizados para imponer normas de orden y separación en el espacio habitable.

Candela Bado (Montevideo, 1991) es una artista visual que trabaja con escultura, cerámica e instalación, explorando el poder de los objetos liminales y su relación con el espacio y la memoria. Ha estudiado en la Royal Academy of Art de La Haya y en la Universidad de Columbia en Nueva York. Su obra ha sido expuesta en instituciones como en Wallach Gallery en Nueva York, TENT Rotterdam y Salone Internazionale del Mobile en Milán, entre otros. Próximamente, participará en la residencia Skowhegan School of Painting & Sculpture en Estados Unidos.

Este proyecto es un laberinto cultural que conecta artistas de Europa y Latinoamérica, reflejando el viaje del migrante. Cinco artistas presentan obras que evocan un “cante de ida y vuelta”, enriquecidas con influencias de ambos lados del Atlántico. Las obras presentadas trazan rutas culturales, explorando la pertenencia y el desplazamiento. El recorrido culmina en una reflexión sobre la migración y la transformación artística, uniendo océanos y culturas en un intercambio continuo.

Desde Estambul, atravesando el Mediterráneo, hasta México, el  Río de la Plata y regresando por la Antártida, este viaje no solo revela el enriquecimiento de las distintas musicalidades que se producen en el tránsito, sino también la adaptación y evolución artística que surge de la interacción entre continentes.

Los artistas—María García Ibáñez (España/México), Álvaro Porras Soriano (Valencia), Volkan Diyaroglu (Estambul/Berlín), Matías Ercole (Buenos Aires) Amparo Tormo (Valencia) y Manuel Vilariño (Galicia)—se sitúan en el espacio del stand como un recorrido que traza una cartografía de rutas marítimas y culturales entre Occidente y América, comenzando en Valencia.

Álvaro Porras (1992, Ciudad Real) artista residente de la galería y Eduardo Barco (1970, Ciudad Real) artista invitado, se alían para dar forma a la exposición “En este lugar donde nada es mío” una proyecto que plantea un diálogo entre las obras de Porras y Barco, dos artistas que se encuentran en una exploración en torno a la potencia lingüística de la abstracción.

Inspirada por el poema Maldito yo del también ciudadrealeño Dionisio Cañas (Tomelloso, 1949), la exposición recoge una serie de ejercicios que evocan una relación compleja con el paisaje y la construcción de pertenencia que de ello se deriva, como el primer verso del poema: «En este lugar donde nada es mío, ni mi vida, ni mi muerte…».

El texto de la exposición es obra de Álvaro de los Ángeles: (…) en los artistas no parece haber duelo, ni nostalgia por la pérdida, ni resignación ante lo previo o lo por venir. Más bien emana, en las piezas escultóricas o en los lienzos de ambos claramente personales y diferenciados, la constatación de un imaginario que combina la mirada cruzada de la sofisticación con la frontal de aquello que es simple y directo.