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El proyecto se configura así como un espacio de resonancia en el que ambas prácticas conviven, invitando al espectador a suspender la inmediatez de la mirada. No se trata de descifrar las imágenes, sino de habitar su ambigüedad, entendiendo que es precisamente en esa inestabilidad donde reside su potencia crítica.

Gema Polanco (Valencia) es artista visual. Su obra,  orientada a la instalación, integra también lo textil, el dibujo, la música y lo fotográfico. Cuestiona la herencia femenina que aprisiona a las mujeres y las categoriza, siempre buscando nuevos lugares, alter egos, que den lugar a ser quienes queremos ser. Apropiándose y aliándose con estéticas punks, lo rebelde y espontáneo para que nuevas formas de cuidado, honestas, accesibles y pacíficas sean posible

“Meditaciones sobre las distancias infinitas” es la nueva exposición de la valenciana Ana Císcar en Jorge López Galería.

La obra de la artista explora el valor de la imagen y su potencial narrativo. En sus trabajos se adentra en la tensión que proviene de atribuir a la fotografía documental la calidad de representación fiel de la realidad, contraponiéndose al carácter interpretativo, de narración construida, que se otorga a las artes, y particularmente a la pintura. Císcar está especializada en la rama de Pensamiento Contemporáneo y Cultura Visual.

Ana parte de la apropiación de fotografías antiguas, de archivo y de prensa, que traslada al lenguaje plástico mediante un complejo trabajo de montaje con las imágenes, a base de desdibujar, recomponer y yuxtaponer los originales. Esta peculiar estrategia deconstructiva le permite repensar y volver a activar el material utilizado, dándole la vuelta a ciertos imaginarios, y cuestionando las políticas de la visualidad. El resultado son pinturas híbridas que, si bien pueden llegar a conservar el aspecto de documento de la realidad, tienen un tono de inquietante extrañeza.

Javier Moral Martín, autor del texto de sala interpreta: “Hay formas de sobrevivir a un mundo reemplazado por su imagen. Podemos negar sus representaciones y tratar de mirar al mundo directamente, pero podemos recorrer también el camino inverso: recuperar el mundo a través del agotamiento de las imágenes. De las dos opciones, Ana se decanta por la segunda, … colecciona, mira y explora, escarba, recolecta y amontona, hace acopio de imágenes -pero también imágenes de imágenes-. Las pone luego en sucesión y las confronta, las recorta, las dobla y las rasga, las intercala, las somete a la alquimia del montaje y el azar, las desconecta de su sentido inmediato hasta quebrantarlas, hasta doblegarlas para que al final del proceso, en su traslación al formato pictórico, terminen por revelarnos un destello.”

Desde una conciencia del viaje —de aquello que arrastramos, perdemos o transformamos en el trayecto— puede surgir una forma distinta de habitar el mundo.

Toda política de la identidad es, en esencia, una política del relato: quién narra, desde dónde y en qué lengua. El artista migrante —precario, desplazado, descentrado— ya no es una excepción, sino una figura estructural en el arte contemporáneo; un testigo de fronteras móviles, archivos invisibles y geografías sin mapa.

Lo que otrora llamábamos “forma” se revela hoy como superficie, una piel tensa donde se inscriben los fragmentos de una historia. La  materia —luz, papel, color, imagen— carece de neutralidad; habla desde el  roce, la fricción y el tacto. En este retorno a lo matérico y sensible, emerge una experiencia estética distinta: más encarnada, pausada, incierta.

Los artistas propuestos por Jorge López Galería en ARCO 2026 conforman un archivo no oficial, un palimpsesto afectivo que trabaja memorias periféricas, relatos personales, huellas y cuidados invisibilizados o neutralizados por los libros de historia. Practican una poética del cuidado —que es a la vez una forma de resistencia— y entienden el viaje no como turismo, sino como desplazamiento de sentido, como errancia crítica. En un contexto dónde el pensamiento se desdibuja en datos y conexiones frágiles, el espacio del arte debe hacer legible lo residual, y con ello vincular lo histórico y el presente, lo íntimo y lo geopolítico, lo global y lo vernáculo. La galería deviene así un espacio narrativo en tensión,  donde lo imaginado dialoga con lo perdido y la imagen deja de ilustrar para perforar.

Los artistas: Valeria Maculan (Argentina), Álvaro Porras Soriano (Ciudad Real), Miguel Rothschild (Argentina), Inma Femenía (Pego) y Ana Císcar (Valencia)

La colaboración entre Ponce + Robles Galería y Jorge López Galería se articula como un territorio compartido desde el que pensar la noción de habitar no como un estado fijo, sino como un proceso en permanente desplazamiento. El proyecto propone una lectura del hogar como construcción inestable, atravesada por el viaje, la distancia y la memoria, donde el cuerpo —nómada, vulnerable, atento— se convierte en la primera arquitectura.

Las obras reunidas exploran el tránsito como experiencia formativa: aquello que se arrastra, se pierde o se transforma en el trayecto. En este desplazamiento continuo, el espacio deja de ser un mero contenedor para convertirse en interlocutor activo. Los artistas dialogan con los lugares que ocupan, señalando recorridos propios que se inscriben tanto en el territorio físico como en el imaginario, trazando mapas afectivos y simbólicos.

Desde la cerámica como práctica común —material ancestral, vinculada a la tierra, al gesto y al tiempo—, Patricia Camet, María García Ibáñez, Javier Bravo de Rueda y Chuiqui García abordan cuestiones relacionadas con la ecología, la espiritualidad, el viaje y la memoria. La cerámica aparece aquí como un medio de resistencia lenta frente a la aceleración contemporánea, un lenguaje que conserva la huella del cuerpo y del entorno, y que activa una escucha profunda del material y de sus procesos.

El proyecto conjuga así dos galerías y cuatro miradas artísticas que entienden el habitar como una práctica relacional: con la tierra, con la historia, con lo espiritual y con los otros. Más que ofrecer respuestas cerradas, las obras plantean preguntas abiertas sobre cómo construimos sentido en el desplazamiento y de qué manera la materia puede convertirse en archivo vivo de nuestras trayectorias. En ese entre-lugar, frágil y persistente, se configura una estética del viaje que propone nuevas formas de estar en el mundo.

El trabajo de Keke Vilabelda se enfoca en los procesos de construcción y transformación del paisaje natural y el espacio urbano contemporáneo. A través de la pintura investiga nuestra relación cambiante con el entorno y los nuevos modos de observarlo. Sus obras se construyen mediante la interacción de múltiples técnicas y un amplio abanico de materiales, como el cemento o el metacrilato, así como medios fotográficos y digitales, generando un lenguaje propio pero muy diverso.

La obra de Federico Miró representa paisajes naturales a través de una técnica que evoca el arte textil, sugiriendo la textura de tejidos entrelazados y patrones que pertenecen a otra época. Estos elementos invitan a reflexionar sobre el tiempo que implica la creación de sus piezas.

Mónica Maneiro, encargada del texto de la exhibición, puntualiza “En las pinturas de Keke Vilabelda la materia se desplaza por acción mecánica, se abre por presión generando paisajes que surgen de las propias obras. La idea del accidente como potencia, del error como fuerza creadora, aparece para poner en valor lo impredecible. En la pintura de Federico Miró el fallo está implícito en el propio andamiaje del motivo, nada funciona, los planos de representación coexisten, como en una deriva de memoria que intenta coser el collage de nuestra visión del mundo”.

Vilabelda es licenciado por la UPV en 2009.  Máster en Artes en Central Saint Martins London en 2011. Cuenta con exposiciones individuales en España, Reino Unido, Bélgica, Perú, Polonia, Colombia, México, Portugal y Australia. Además, ha participado en importantes ferias y exposiciones colectivas de China, Alemania, Estados Unidos, Italia, Francia, Portugal o Suiza. Ha recibido numerosos premios y becas por instituciones, entre las que destacan: SMTCHI New Sensations, BMW Ibérica, La Real Academia de San Carlos, el Ayuntamiento de Valencia y el Gobierno de España. Ha realizado residencias en Casa Wabi Oaxaca, Casa Velázquez de Madrid ZonaSeis México y Fundación Miró Mallorca.

En cuanto a la formación de Federico Miró obtuvo su licenciatura en Bellas Artes en la Universidad de Málaga en 2013 y realizó el Máster de Investigación en Arte y Creación en la Universidad Complutense de Madrid en 2014. Algunos de sus logros más destacados incluyen la Beca de la Casa Velázquez en 2025, el primer premio de pintura Manuel Ángeles Ortiz de la Universidad de Jaén en 2020, el premio BMW de pintura a la innovación en 2017 y el primer premio en la exposición “Salón de Verano” en la sala Moncloa en Madrid en 2014.

Las galerías madrileñas F2 y Ponce y Robles participan en esta exposición.

En un gesto de complicidad geográfica y sensibilidad compartida, dos galerías  —ATM y Jorge López —, una arraigada en el Atlántico septentrional de Gijón y la otra proyectada hacia la luz mediterránea de Valencia, han decidido tejer un diálogo conjunto para dar cabida a una propuesta que transita entre lo íntimo y lo expansivo, presentando a una joven artista en la feria SWAB de Barcelona.

La elección de Marta Valledor (Santander, 1995) como eje de esta colaboración no responde al azar, sino a una voluntad clara de apostar por una voz emergente cuyo trabajo ya ha empezado a alterar con sutileza el panorama del arte contemporáneo español.

Valledor, recientemente incorporada a la colección del Museo de Arte Moderno de Santander y galardonada en Swab 2025 con el Premio Kells Collection, sin haber alcanzado aún su plenitud, destaca como una promesa a tener en cuenta entre las jóvenes generaciones de artistas españoles.

La práctica artística de Miguel Rothschild (Buenos Aires, 1963) se adentra en las tensiones entre lo sagrado y lo profano, lo sublime y lo frágil, lo devocional y lo irónico. Desde Berlín, ciudad en la que reside desde hace tres décadas, ha desarrollado un lenguaje en el que materiales cotidianos —vidrio estallado, nylon, alfileres, hilos de pescar, confeti, diamantes de cristal— se transforman en vehículos de lo numinoso, en paradojas visuales que desestabilizan la percepción y complican la experiencia estética.

Como recordaba Walter Benjamin, “no existe un documento de cultura que no lo sea al mismo tiempo de barbarie”. Y también advertía que, al salir de las iglesias y entrar en los museos, las imágenes religiosas perdieron su función litúrgica, pero conservaron su valor cultural. Es en ese umbral donde se sitúa Rothschild: no pretende restaurar la fe perdida, sino activar una memoria visual cargada de símbolos desplazados, de restos, de aura en retirada.

La exposición “Felices los que creen sin haber visto” despliega esa tensión en un conjunto de obras que reactivan la potencia simbólica de lo sagrado mediante estrategias matéricas, visuales y poéticas. En Lo Numinoso, la transparencia y la vibración de hilos de pescar tensados sobre papel fotográfico condensan la búsqueda de lo invisible, la intuición de una presencia que no puede mostrarse sino insinuarse. Esa misma fragilidad aparece en Absolución, donde las fotografías de confesionarios convertidas en juegos de precisión con bolas de acero convierten el rito del arrepentimiento en azar y repetición. La violencia sobre la imagen abre paradójicamente un horizonte de redención: la herida se convierte en vía de liberación.

Extracto del texto de Iñaki Martínez Antelo

La galería madrileña José de la Mano y la valenciana Jorge López, viajan hasta Turquía para participar en la feria: Contemporary Istanbul 2024

El proyecto expositivo para IC (Istanbul Contemporary 2024) une a dos destacados artistas de origen turco y armenio cuyas vidas y obras reflejan las complejas dinámicas de la migración y la interculturalidad, indagando sobre la revalorización de las identidades y del origen común. Joseph Terdjman (1924-2001), nacido en Armenia y emigrado a París, donde desarrolló su obra y práctica artística, y Volkan Diyaroglu, nacido en 1982 en Estambul y residente en Berlín.

En línea con el espíritu Palán-Palán, la galería Jorge López abre sus puertas a distintas “invasiones”, apariciones inesperadas de obras ajenas: en algunos casos los invitados son amigos, en otros, artistas admirados, en otros aún, la elección es casi aleatoria. En todo caso, el encuentro enriquece ambas partes y esclarece las intenciones recíprocas: Alberto se propone el desafío de mirarse a través del otro, desentrañando en breves textos el vínculo que lo une a quien cohabita su espacio.

Al difuminarse el límite entre el yo y el otro, también se complejizan las nociones de autoría y de propiedad: la relación intercambiable entre todos y la resignificación mutua hace a la exposición y, más en general, al sistema, incluso en términos de valor simbólico.

Extracto de texto de Benedetta Casini, curadora Independiente.