Nombre del autor:jorgelopez

intersecciones

Intersecciones

18.04.2024 – 01.06.2024

Claudia Joskowicz presenta «Intersecciones», su primera exposición individual en Jorge López Galería.
La muestra reúne dos obras fundamentales en su trayectoria: la trilogía de videos «Recreaciones» (2007-2009) y la videoinstalación «Cada edificio de la Avenida Alfonso Ugarte – Según Ruscha» (2011). En estas obras, Joskowicz reinterpreta momentos clave de la historia boliviana, utilizando paisajes y espacios públicos como escenarios para reflexionar sobre la violencia, la memoria y la construcción de mitos nacionales.
En «Recreaciones», la artista reinterpreta tres momentos clave de la historia boliviana:
• «Arrastrado y descuartizado» (2007) recrea la ejecución pública de Túpac Katari, líder indígena que se rebeló contra el poder colonial español en el siglo XVIII.
• «Vallegrande, 1967» (2008) se centra en la presentación del cuerpo del Che Guevara a la prensa después de su asesinato en Bolivia en 1967 y en la lavandería donde se lo tendió. Ahora el pequeño edificio, cubierto de grafiti, se ha convertido en una de las paradas más veneradas en la ‘ruta turística del Che’ y, por tanto, parte del mito del Che.
• «Round and Round and Consumed by Fire» (2009) reimagina la muerte de Butch Cassidy y Sundance Kid, dos forajidos estadounidenses que se cree fueron abatidos en Bolivia a principios del siglo XX.
«Recreaciones» invita al espectador a reflexionar sobre la manera en que la memoria histórica se construye y se transmite a través de imágenes y relatos confrontandonos con la violencia, pero también con la posibilidad de resignificar el pasado y reescribir las narrativas oficiales.
«Cada edificio de la Avenida Alfonso Ugarte – Según Ruscha» (2011) es una videoinstalación de dos pantallas que toma como inspiración el libro fotográfico del pintor norteamericano Edward Ruscha «Every Building on the Sunset Strip» (1966). En una toma continua de 26 minutos, Joskowicz documenta la vida cotidiana de la Avenida Alfonso Ugarte en El Alto, una ciudad satélite de La Paz y uno de los centros urbanos más grandes y de más rápido crecimiento en Bolivia. El Alto es, también, uno de los principales sitios donde tuvieron lugar las violentas protestas relacionadas con el conflicto del gas boliviano de octubre 2003. La obra yuxtapone lo cotidiano con el conflicto social, revelando la realidad abigarrada y el genio del lugar, así como la cotidianeidad de los países en vías de desarrollo.
Claudia Joskowicz vive y trabaja entre Santa Cruz de la Sierra y Nueva York. Ha expuesto ampliamente en los Estados Unidos e internacionalmente y su trabajo se encuentra en las colecciones permanentes del Museo Guggenheim, NY; la Fundación Kadist, San Francisco, la Fundación Cisneros Fontanals, Miami, y el Banco Central de la República, Bogotá. Joskowicz ha recibido numerosos premios y becas los cuales incluyen una beca NYFA en cine / video, el premio Anonymous Was a Woman, una Comisión de Artistas de Media Carrera de la Fundación Cisneros Fontanals, una beca Guggenheim en cine / video y una beca Fulbright. Ha sido becaria en Yaddo, Latin American Roaming Art Project, Oaxaca, México, Sacatar Institute, Bahia, Brasil, el programa AIM en el Bronx Museum of the Arts, NY y las residencias Workspace y Cité des Arts, Paris del Lower Manhattan Cultural Council, NY. Una monografía de su trabajo entre el 2006 -2022 será publicada por la Editorial Turner, Madrid en 2024.

intersecciones Leer más »

ARCO | Entrelugares: Explorando la Perspectiva del Extranjero en Casa

ARCO | Entrelugares: Explorando la Perspectiva del Extranjero en Casa

6.03.2024 – 10.03.2024

Group show

 

El proyecto para ARCO 2024, titulado “Entrelugares: Explorando la Perspectiva del Extranjero en Casa,” tiene como objetivo destacar tanto las visiones internas como las foráneas de nuestra comunidad y sus dinámicas. Este enfoque nos permite mostrar la riqueza de perspectivas que enriquecen nuestra comprensión y nuestra identidad como comunidad. Esta denominación reconoce la importancia de comprender cómo nos percibimos internamente y cómo somos percibidos desde fuera. Busca promover una comprensión más profunda de la complejidad de perspectivas en torno a la colonización y la descolonización, a través de la mirada de artistas nacidos en América del Sur (Latinoamérica) y residentes en Europa y Norteamérica. Todos ellos están a cierta distancia de su país de origen, lo que les permite actuar como observadores externos mientras mantienen vínculos con su realidad y origen específicos. A través de sus obras, exploran cómo se han interpretado y representado el paisaje, la cultura y la identidad. Esta perspectiva se asemeja al “entrelugar” que Edward Said teorizó, habiendo habitado él mismo un espacio intermedio entre Palestina y Nueva York, lo que le otorgó una perspectiva única en su trabajo comparativo entre culturas. Este proyecto para ARCO2024 nos invita a reflexionar sobre cómo las perspectivas foráneas pueden enriquecer nuestra comprensión de otras culturas y regiones del mundo. Además, resalta la importancia de la perspectiva externa en la construcción de la identidad cultural y la narrativa histórica, demostrando cómo esta influencia moldea la forma en que interpretamos y nos relacionamos con nuestra región.

ARCO | Entrelugares: Explorando la Perspectiva del Extranjero en Casa Leer más »

SWAB 2023

SWAB 2023

5.10.2023 – 8.10.2023

Obras disponibles

SWAB 2023 Leer más »

Derritiente para todos los colores

Derritiente para todos los colores

09.02.2024 – 06.04.2024

Real Fábrica de Loza y Porcelana del Conde de Aranda, L’Alcora, Castellón, Valencia.

 «Se toman tres partes de la piedra calcinada, tres partes de minio; todo esto derretido se echa sobre una piedra y queda hecho» (Escrivá de Romaní, 1945, pp. 252).

 Me considero un intruso en este lugar. La fábrica, en un principio, me rechazó; caí enfermo y me costó mucho empezar a explorar. Días después, al haber superado este impase físico, creo que me dejó en paz. Aunque luego me recordó que todo podía caerme en la cabeza.

L’Alcora, noviembre de 2023

«No se saque de la Fábrica los materiales que hubieren entrado en ella, si no es fabricados. Ordenamos que, habiendo entrado algún material dentro de nuestra Fábrica, no pueda salir sino está fabricado, por ningún motivo, ni aun el de molerse, o cocerse fuera, para cuyo fin queremos haya dentro de las puertas de nuestra Fábrica las oficinas necesarias, y por falta de estas, no se recurra a otras» (Escrivá de Romaní, 1945, pp. 284-285).

Solo se trabajó en la parte de Tilesa. Tilesa viene de «tiles», azulejos en inglés. Tilesa fue el último guardián de lo que quedaba de la Real Fábrica del Conde de Aranda. Poco a poco, ha ido aceptando mi presencia en el lugar, y empiezo a escuchar lo que trata de comunicar. En la fábrica hay muchas cosas: azulejos rotos, pintados, sin pintar, azules, rojos, amarillos, verdes, con estampaciones, en crudo, esmaltes y engobes por doquier, hornos rotos y techos caídos. Entra la luz del sol por agujeros, y las piscinas de esmalte tienen nombres como «verde avocado» o «negro Texas». Tilesa dejó todo atrás. La historia se detuvo, pero ahora empieza a mutar. A veces, la cerámica es un juego con el tiempo. En ella, se sintetizan procesos geológicos de millones de años en tan solo unas horas, y también se congelan momentos e historias. El tiempo se vuelve sólido y todo termina siendo parte del paisaje y piedras en el bolsillo. L’Alcora está construida sobre L’Alcora y Tilesa sobre la Real Fábrica. El pasado se acumula en bancales y bajo el suelo. Algo hizo que todos se fueran y dejaran a su paso restos, que no son basura, sino más bien oro. Colores y más colores en la penumbra de un lugar que quiere hablar y diluir su historia para poder ser leída.

«Pena para los que adulteren la Fábrica. Mandamos que, si alguna persona de dentro o fuera de la Fábrica, con poco temor de Dios, conspirase para adulterar la Fábrica, ya sea procurando que la loza o fayenza no salga de tanta fineza, o bien que se pierdan los barnices trabajados, o alguna hornada, o cualquier otra cosa maliciosamente, convencido de su delito, se le castigue con la pena de 200 azotes irremisiblemente, y si hubiere sucedido el daño, deba pagar todo el perjuicio causado» (Escrivá de Romaní, 1945, pp. 271).

Pido perdón por romper las antiguas ordenanzas de la Real Fábrica y espero que ningún conjuro caiga sobre mí y las obras. Aquí todo ha sido producido, derretido, alterado y corrompido con lo que se pudo encontrar en los vestigios de un lugar que se encuentra en proceso de volver a ser, por lo menos una parte en apariencia.

Javier Bravo de Rueda

Bibliografía: ESCRIVÁ DE ROMANÍ y de LA QUINTANA, Manuel, Conde de Casal. Historia de la Cerámica de Alcora. 400 pp., 2da. Edición. Madrid. Aldus S.A. 1945.

Derritiente para todos los colores Leer más »

SWAB Barcelona

SWAB Barcelona

06.10.2022 – 09.10.2022

Jorge López Galería participa en Swab 2022 con obras de Álvaro Porras Soriano (Ciudad Real, 1992) y de Victoria Iranzo (Cuenca, 1989).

Álvaro trabaja en torno a la reunión de referencias contextuales e historiográficas. Su producción, desde distintos cuerpos materiales, pero consecuente con los procesos de representación pictóricos, atiende a ciertos relatos culturales específicos y a la búsqueda e interpretación de sus códigos simbólicos. 

Victoria con su trabajo muestra un nexo donde se mezclan la experiencia y la ilusión a través de la óptica de la incertidumbre. La artista se muestra como una creadora en constante evolución, con un lenguaje propio en el que la razón y el orden dialogan bajo sus reglas.

Obras disponibles

SWAB Barcelona Leer más »

Monumento

Monumento

28.04.2022 – 17.06.2022

MONUMENTO, es la primera exposición individual del artista argentino, residente en Roma, Matías Ercole en el espacio expositivo de Jorge López Galería.
Un proyecto ideado específicamente para el espacio de Jorge López Galería, que reúne obras de diversos formatos. Imágenes en tinta y cera sobre papel entelado de gran formato en una competencia de escala con la arquitectura misma de la sala.
El trabajo de Ercole se asienta sobre la certeza de que el dibujo es capaz de hacer visible lo invisible y, en sus últimas obras se centra en el estudio de un personaje: la luz como eje de su sistema.
A la que se aproxima simultáneamente desde diferentes abordajes, técnico, físico y poético. A través de ella se estructuran y confrontan visiones del mundo. Según el propio López “en la obra de Matías hay un discurso totalmente cerrado hacia la abstracción y el gesto, un discurso que nos guía entre la oscuridad y la luz que nos llevan a viajes que re- memoran obras renacentistas o barrocas”
El paisaje es la iconografía central en la cual discurren sus investigaciones. En esta ocasión, en “Monumento”, la luz se vuelve “rara”. Una luz que el artista piensa propia de sus geografías.
Alucinada, valorizando lo fuera de sí, la idea de locura y un exotismo desde el cual se ha pensado la América Latina.

Obras disponibles

Monumento Leer más »

I have a dream to cross the reality

I have a dream to cross the reality

07.07.2022 – 15.09.2022

Victoria Iranzo, Cristina Ramírez, Gema Quiles

Como paradigma estético, la contemplación del paisaje reflexiona sobre los componentes suprasensibles que resaltan los elementos arquetípicos de la escena que se observa. En cambio, estar en el paisaje, pertenecer al medio, inmiscuirse en el escenario, es un ejercicio político que señala el paisaje según la relación del sujeto y el medio.

Planteando estas dos afirmaciones en conjunto, podemos decir que aquellos actos estéticos de configuración de la experiencia a través de la observación, introducen formas alteradas de subjetividad política a través de la mirada.
Estar en el paisaje implica definir mentalmente la noción de “pays”, en relación a las fuerzas orquestales de los estados y la realidad del contexto. La mirada política ante el paisaje implica la presencia de un observador frente a un objeto real, en su caso, ante un territorio. Si bien, la expansión del paisaje al margen de su fisicidad, el omnipaisaje mental, ha provocado que las consideraciones identitarias y políticas del paisaje tradicional sean un cuerpo psicológico y etéreo. El paisaje como medio reconocible se ha transformado en un escenario como lugar mental proyectado.

La exposición I Have a Dreams to cross the Reality es un conjunto de posiciones críticas del lugar propio que evocan escenas particulares, siendo estas, las representaciones de las líneas que dibujan la mente de sus autoras. Estas escenas combinan en un todo-lógico las piezas que componen el proyecto desarrollado por Victoria Iranzo (Cuenca, 1989), Cristina Ramírez (Toledo, 1981) y Gema Quiles (Vila-real, 1994) en el espacio de Jorge López. Las obras de estas tres artistas ejemplifican cómo la confección de escenas contextuales es una práctica destinada a dar presencia al devenir-mundo del pensamiento subjetivo, somatizado e identitario. La creación de estas escenas, desde un punto de vista antropológico, es una respuesta al fin de las utopías políticas. Sin embargo, es una respuesta negativa ante la determinación de tal fin.

Cada una por su parte, propone una mirada hacia contextos específicos en los que la identidad ofrece una desregulación de las posiciones hegemónicas de la representación pictórica.

La obra de Iranzo alude al cuerpo femenino como paradigma de la representación, el cuerpo abandona la distancia con el paisaje y sucede el abrazo entre los objetos representados.

Ramírez busca los espacios liminales de la representación entre lo real y lo ficcional, entre la construcción narrativa de un paisaje coherente que se encuentra con la simulación subjetiva de un espacio desconocido.

Y, por su parte, la pintura de Quiles es una representación de un paisaje idílico, un imaginario simbólico en el que la mirada se acerca y aleja a su antojo para extraer al paisaje de las fuerzas que lo sostienen.

Have a Dreams to cross the Reality , es un alegato de la pintura de paisaje contemporánea que no rechaza la proyección utópica y, como respuesta política, se aferra al retorno de lo evocativo. Una pintura que se reformula con respecto a las corrientes hegemónicas del siglo XX en tanto que pierde el centro del cuerpo ante la acción pictórica, en pro de un cuestionamiento del propio cuerpo ante los símbolos que representan su presencia. No es casualidad que este discurso se pronuncie en la suma de la producción de tres mujeres pintoras. El paisaje, como construcción mental ante lo real, no puede escapar de la significación del cuerpo de quién lo analiza y de quién se aproxima a él; la representación no puede ser indiferente a la biopolítica del espacio, ni a la identidad de la mirada.

Welcome, learn how to dream

Obras disponibles

I have a dream to cross the reality Leer más »

Estructuras constantes

Estructuras constantes

25.11.2022 – 20.01.2023

Estructuras constantes confluye en un encuentro espacial de volúmenes y planos, el nombre de la exposición ha sido importado de la teoría y armonía del jazz y la música popular. Se refiere a una progresión consecutiva de acordes con diferentes notas de raíz que une tonos dispares en una entidad cohesiva.

Una perspectiva musical trascendida y superada en la forma. Desde el proceso de vaciar para conseguir que el vacío llene la obra, que la emoción llegue sin necesidad de explicación. Del arte que emociona sin explicarse, y del que necesita una explicación para emocionar. En Estructura constante vamos a hablar del arte sereno, y del que se ubica del lado de la búsqueda permanente; de lo crítico, de mirar y sentir, de sentir y emocionarse. De la creación como encuentro: aproximación, lectura y reflexión.

Dos artistas: Amparo Tormo (Valencia 1960) y Leo Burge (Londres 1991), se encuentran en un sugerente diálogo, en un acorde inspirador donde las percepciones de ambas realidades estéticas son confrontadas, permitiéndonos comparar y reflexionar las prácticas artísticas de ambos, así como las injerencias del lenguaje entre las generaciones y los universos que los unen y los separan.
La apuesta consiste en reflexionar sobre el encuentro y comprobar que existen trabajos que se aproximan entre sí – de un modo no jerárquico ni lineal –, estableciendo diálogos por sí mismos.
De allí este juego intemporal de correspondencia simbólica o visual, donde pueden casi verse, en un ritmo de constantes estructuras, procesos y transformaciones, distintas formas de abordar los mismos tópicos como la pervivencia de esquemas, materiales o temáticas. La luz y las sombras nos inducen a la observación, a un análisis de lo esencial; a reducir elementos en una búsqueda de armonía, interrogando los limites de la capacidad sensitiva y expresiva de los materiales, con rigor, con perfección… nos lleva a toparnos con cambios lentos que confieren claridad, precisión y objetividad a la obra, logrando así una lógica composición de elementos, si bien singularmente estructurada.

En el recorrido por la exposición, la línea nos va guiando por la extensión de la sala, la surca y la interrumpe, como si de un acorde se tratara.
Las obras funcionan como sonidos y armonías en el espacio, unas susurran, otras golpean en un legato, mientras el espectador deambula, entre pliegues y estructuras, sombras y luces que vacilan alrededor del plano, como si fueran armónicos que suben y bajan para lograr una melodía.

La voz de Leo Burge se cruza con el murmullo de Amparo Tormo, la una con la otra, la otra con la una. Una sucesión de planos, líneas, huellas, rastros y sombras entre volúmenes que nos presentan lo invisible como relato, donde no hay precisamente “relato”.
Una estructura constante como resultado o fuga, una armonía perfecta, imposible de atrapar.
Estructuras constantes esta dispuesta como intervalos del jazz, las obras de Leo Burge y Amparo Tormo consiguen momentos de disonancia y armonía a través de la repetición y la variación en serie, la contraposición de dos o más miradas y lo que de ellas emerge como representación. El uso de materiales robustos e industriales por los artistas a menudo entra en conflicto con la ligereza y fragilidad etérea que encarnan sus obras, una dicotomía siempre presente en este pentagrama, desde el minimalismo, al arte procesual. Vemos como se articulan, confluyen en formas destiladas, atmósferas y texturas que nos invitan a tomar- nos nuestro tiempo y contemplar esta puesta en escena.

Obras disponibles

Estructuras constantes Leer más »

Estampa | Dúo Project

Estampa | Duo Project

13.10.2022 – 16.10.2022

Oliver Johnson, María García Ibáñez

Oliver Johnson se sumerge en un proceso largo y complejo en el que los colores se aplican al soporte en innumerables capas con las que construye superficies transparentes que juntas evocan una forma de ilusión como experimentos dentro del marco, una serie de normas metódicas y pautas de color expresando un espacio que no se puede percibir de otra manera que no sea presencial. Sus múltiples veladuras crean un intersticio entre la superficie y el soporte, a través del cual penetra la luz, provocando un efecto especial, abrumador y meditativo al mismo tiempo.

Sus obras reflejan una experiencia que difícilmente pueden ser traducidas a palabras.

En la obra de María García Ibañez, el proceso lento se convierte en un fin en si mismo que desvela la futilidad de una realidad aparente. Su trabajo recala en sistemas de células, entendidas estas como la unidad mínima de representación que le permiten a la artista articular otras relaciones entre materialidad y representación. Entre el mensaje y la estructura que lo forma y sostiene.

Obras disponibles

Estampa | Dúo Project Leer más »

Arte Santander | Boneless

Arte Santander | Boneless

16.07.2022 – 20.07.2022

Valeria Maculan

Boneless es un proyecto experimental e inédito en España.
Ha sido seleccionado por Madrid Crea 2021 para ser desarrollado dentro del contexto de residencia en Matadero Madrid.
El proyecto reflexiona acerca de lo monstruoso en la actualidad utilizando la representación teatral, la mecánica y el sonido.
En el siglo XIX se crearon unos artilugios llamados Autómatas que imitaban la figura y el movimientos de un ser animado. Eran unos instrumentos o aparatos que encerraban dentro de sí el mecanismo que les imprimía determinada actividad. Paralelamente en el tiempo Mary Sheele en su novela Frankenstein también cuestionaba la ambición humana por generar vida después de la muerte y el origen del monstruo. ¿Podemos concebir lo monstruoso como todo aquello que no podemos controlar, que no vemos y que podría tener graves consecuencias en nosotros?
Para Arte Santander presentamos un grupo de esculturas blandas (textiles) que dialogan como cuerpos pictóricos en el espacio junto con un video resultado del registro de la performance desarrollada por bailarines donde se busca dar vida a las figuras inertes y también reflexionar acerca de lo siniestro como formas ajenas al orden regular de la naturaleza.

Obras disponibles

Arte Santander | Boneless Leer más »

Scroll al inicio