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Tierra de Nadie es el proyecto ganador de la primera edición del Programa Petrona, una iniciativa del Departamento de Internacionalización de la Cultura del Ministerio de Educación y Cultura de Uruguay y que recibe el apoyo de la Universidad Miguel Hernández de Altea, España.

El proyecto se desarrolla en el marco de la segunda residencia de Jorge López Galería, donde la artista uruguaya Candela Bado es invitada a trabajar durante un mes en la Universidad Miguel Hernández de Altea y está comisariado por Agustina Bornhoffer.

Candela Bado crea instalaciones que consideran la relación entre objetos que dividen el espacio interior doméstico y las estructuras exteriores que lo operan. En su obra utiliza el azulejo explorando su función limítrofe, simultáneamente registrando en su superficie la transformación de materia. En la acumulación y disposición de estos elementos cerámicos, la cuadrícula se convierte en un sistema de orden y tensión, articulando una espacialidad que propone nuevas formas de interpretación desde la observación cenital y la constelación de objetos.

Desde una mirada matérica, Tierra de Nadie examina el tránsito de los cuerpos dentro y fuera del hogar a través de la circulación de elementos como el agua, el cristal, la cerámica y el metal, poniendo en tensión la función de estos sitios construidos, ya sean como un lugar de contención o de exclusión. En este sentido, la obra cuestiona la manera en que los lenguajes arquitectónicos han sido utilizados para imponer normas de orden y separación en el espacio habitable.

Candela Bado (Montevideo, 1991) es una artista visual que trabaja con escultura, cerámica e instalación, explorando el poder de los objetos liminales y su relación con el espacio y la memoria. Ha estudiado en la Royal Academy of Art de La Haya y en la Universidad de Columbia en Nueva York. Su obra ha sido expuesta en instituciones como en Wallach Gallery en Nueva York, TENT Rotterdam y Salone Internazionale del Mobile en Milán, entre otros. Próximamente, participará en la residencia Skowhegan School of Painting & Sculpture en Estados Unidos.

Este proyecto es un laberinto cultural que conecta artistas de Europa y Latinoamérica, reflejando el viaje del migrante. Cinco artistas presentan obras que evocan un “cante de ida y vuelta”, enriquecidas con influencias de ambos lados del Atlántico. Las obras presentadas trazan rutas culturales, explorando la pertenencia y el desplazamiento. El recorrido culmina en una reflexión sobre la migración y la transformación artística, uniendo océanos y culturas en un intercambio continuo.

Desde Estambul, atravesando el Mediterráneo, hasta México, el  Río de la Plata y regresando por la Antártida, este viaje no solo revela el enriquecimiento de las distintas musicalidades que se producen en el tránsito, sino también la adaptación y evolución artística que surge de la interacción entre continentes.

Los artistas—María García Ibáñez (España/México), Álvaro Porras Soriano (Valencia), Volkan Diyaroglu (Estambul/Berlín), Matías Ercole (Buenos Aires) Amparo Tormo (Valencia) y Manuel Vilariño (Galicia)—se sitúan en el espacio del stand como un recorrido que traza una cartografía de rutas marítimas y culturales entre Occidente y América, comenzando en Valencia.

Álvaro Porras (1992, Ciudad Real) artista residente de la galería y Eduardo Barco (1970, Ciudad Real) artista invitado, se alían para dar forma a la exposición “En este lugar donde nada es mío” una proyecto que plantea un diálogo entre las obras de Porras y Barco, dos artistas que se encuentran en una exploración en torno a la potencia lingüística de la abstracción.

Inspirada por el poema Maldito yo del también ciudadrealeño Dionisio Cañas (Tomelloso, 1949), la exposición recoge una serie de ejercicios que evocan una relación compleja con el paisaje y la construcción de pertenencia que de ello se deriva, como el primer verso del poema: «En este lugar donde nada es mío, ni mi vida, ni mi muerte…».

El texto de la exposición es obra de Álvaro de los Ángeles: (…) en los artistas no parece haber duelo, ni nostalgia por la pérdida, ni resignación ante lo previo o lo por venir. Más bien emana, en las piezas escultóricas o en los lienzos de ambos claramente personales y diferenciados, la constatación de un imaginario que combina la mirada cruzada de la sofisticación con la frontal de aquello que es simple y directo.

“The alter ego took my hand and brought me here” En esta propuesta expositiva de Jorge López Galería, Gema Polanco (Valencia 1992), nos introduce a su mundo a un viaje a una introspección que revela y honra nuestra vulnerabilidad, abordando el autocuidado y la salud (mente-cuerpo) como una travesía transformadora hacia la metamorfosis que exige el autoconocimiento. Aquí se habla de la crudeza y la lucha por encontrar la paz en nuestras mentes, por romper esos patrones destructivos que, a menudo sin darnos cuenta, se incrustan en nuestro interior como un mecanismo de defensa. En un acto de brutal honestidad, la artista crea trajes de mutación, en los que la intuición y los deseos se entrelazan para construir refugios, espacios de posibilidad, autocuidado, lucha y resistencia. 

Estos trajes y espacios nos invitan a entrar, a abrazar lo que hemos callado, a recorrer ese camino que nos conduce al autoconocimiento. Gema Polanco en ¨ The alter ego took my hand and brought me here¨ grita, lanza auto conjuros desde lo más profundo de su ser, con todas sus contradicciones. Nos invita a sumarnos, a gritar junto a ella, a remendar y coser nuestras heridas, a atravesarlas, a abrazarlas para finalmente habitarlas. A fundar junt@s los cimientos de una plataforma de lanzamiento cósmica compartida y propia, donde nuevas formas de cuidado -honestas, accesibles y pacíficas- sean posibles. 

El alter ego me cogió de la mano y me condujo hasta aquí. Ha salido de las grietas, como si hubiera estado esperando su momento. Ese traje de mutación se ha fundido con “Ella”, la artista, y ahora es parte de su ser. Se mueve con una ligereza casi fantasmal, arrastrando tras de sí zarcillos que se alargan y retuercen, queriendo ser tentáculos de alguna criatura marina ancestral. Se deslizan y se elevan, y en su recorrido aparecen figuras como la lágrima y la estrella/llama, obsesiones de su adolescencia, nacidas de las siluetas maquilladas del Black y el Glam Metal.

Es fascinante cómo el grafito sobre papel y la fotografía en blanco y negro, pese a su aparente oposición, convergen en un punto esencial. Dos extremos que, en lugar de repelerse, se encuentran en un punto secreto, una especie de conspiración estética. Lo intrigante es que ambos operan en el terreno de la ausencia, de lo no dicho, de lo que apenas se insinúa, como si estuvieran escribiendo en una lengua secreta, una escritura hecha de silencio.

Hay una curiosa simetría en la confrontación entre el grafito y la fotografía en blanco y negro, como si ambas formas de arte se reflejaran en un espejo infinito, donde los opuestos no se anulan, sino que se complementan en un enigma esencial: la escritura del silencio, la traducción del vacío.

El grafito de Joan Cardells, ese trazo negro y elemental, no es solo una línea sobre el papel; es una sombra que ha decidido detenerse. Es una línea que, por un capricho del destino, se niega a avanzar, conteniendo en su interior un grito que no se atreve a salir. Hay algo fascinante en ese silencio, en ese rastro oscuro que, en realidad, es la luz en su forma más pura y esencial. Es la sombra detenida en el tiempo, un grito petrificado en la superficie del papel, un eco que persiste en su mudez. Como en los espejos de Borges, es una estela de oscuridad que, en su contradicción, es también la forma más pura de la luz.

Por otro lado, la fotografía de Manuel Vilariño, escritura de la luz en su acepción más literal, captura el instante en que la sombra parece rendirse. La luz se deposita en la superficie sensible, pero lo que verdaderamente se revela es aquello que no está, lo que la luz no alcanza a tocar. Es la paradoja del instante congelado: cuanto más intensas son las zonas iluminadas, más insondable se vuelve el silencio de las sombras. Estas actúan como un espejo que refleja el momento en que la negrura parece ceder ante la luz. Pero lo que realmente captura no es la luz, sino la sombra, lo que queda fuera del alcance de la luz. Y es ahí, en esa paradoja del instante detenido, donde la fotografía se convierte en una trampa luminosa que atrapa lo invisible, lo que permanece fuera del foco.

Hay algo casi mágico en estas obras, en esas figuras que apenas se esbozan en un trazo o en esa luz que, al desbordarse, deja tras de sí una sombra inquebrantable. Es en ese espacio intermedio, en esa tierra de nadie donde la sombra y la luz se entrecruzan, donde la obra de Cardells y Vilariño se encuentra y dialoga sin palabras, en un lenguaje hecho de ausencias, de vacíos que, de pronto, se transforman en presencias.

El dibujo con grafito y la fotografía son, en el fondo, dos formas de escribir sobre la nada. Cardells deposita una sombra; Vilariño atrapa una luz. Pero ambos esculpen y modelan ese vacío que, en su propia negación, se convierte en algo tangible, casi palpable. Es un juego, un artificio que, en su simplicidad, esconde una complejidad infinita.

El dibujo de sombras de Cardells se adentra en la penumbra para buscar una verdad que no se puede ver a plena luz del día. La ausencia de color es una estrategia, un truco para dirigir la atención hacia lo que realmente importa: la estructura, la forma, ese esqueleto de sombras que da cuerpo a la realidad. En esa penumbra, en esa zona de grises, Cardells encuentra un lenguaje propio, un lenguaje que habla con silencios, con sugerencias que tienen más peso que cualquier afirmación rotunda.

Vilariño, con su fotografía, hace algo similar, pero en sentido inverso. Toma la luz, esa luz que todo lo revela, y la usa para esconder, para envolver lo visible en una capa de misterio. Sus imágenes, llenas de una serenidad que parece venida de otro mundo, surgen como fantasmas de la penumbra, no para asustar, sino para invitar a un estado de contemplación, de reflexión.

Cardells y Vilariño, en este juego de sombras y luces, nos llevan a un terreno donde la realidad se vuelve ambigua, donde lo que importa no es lo que se muestra, sino lo que se insinúa, lo que queda fuera de cuadro. «El silencio de las sombras» es, entonces, más que un título, una especie de declaración de principios. Un tributo a la fragilidad, a la sutileza, a esa belleza que solo puede existir en la sombra, en lo no dicho, en lo que queda por descubrir o, tal vez, nunca se revele.

Organizan 𝟭𝟴|𝟱𝟮 𝗕𝗶𝗼𝗵𝘂𝗯 𝗟𝗶𝗳𝗲 𝗦𝗰𝗶𝗲𝗻𝗰𝗲 𝗔𝗿𝘁 𝗖𝗼𝗹𝗹𝗲𝗰𝘁𝗶𝗼𝗻 y Jorge López Galería

“Origen. Donde se produce el roce” Es una exposición colectiva que desarrolla un proyecto en Jorge López Galería donde se invita a tres artistas, Ximena Ferrer (Lima 1994, reside en Berlín), Simón Sepúlveda (Santiago de Chile 1989, reside en Madrid) y Pablo Bellot (Alicante 1976), a romper las líneas estéticas que habitualmente conforman la programación de esta sala. Este cambio genera fricciones y confrontaciones con lo incomprendido y lo desconocido. Cuando el lenguaje alcanza sus límites, la relación con él queda expuesta a nuevas formas.

De esta manera el público puede encontrar registros irreconocibles en comparación con lo acostumbrado en la programación de esta galería. Un espacio programado, donde se rompe la lógica y se produce un desconcierto, un cambio de energía, una fricción.

“Origen. Donde se produce el roce” aborda temas de identidad, migración, desigualdad y el potencial creativo del conflicto. Este proyecto expositivo surge de la colaboración con los artistas y busca generar efectos que sean contingentes e impredecibles.

Ximena: La reflexión a través del reflejo.

Construye su obra a partir de historias y recuerdos, ya sean reales o inventados. Sus pinturas son escenas sensibles y enérgicas en las que los personajes observan directamente a los ojos del espectador. Alternando la atención por medio de una pintura sintética, compara y ajusta expresiones hasta que parecen iguales, creando una conexión consigo misma a través de la apariencia de una niña. Ximena mezcla auto ficción, sinceridad visceral y la dramaturgia exagerada de las telenovelas para plasmar escenas sobre el lienzo, eligiendo colores vibrantes que reafirman su existencia.

Simón Sepúlveda: El observador social

Configura su obra como un observador, capturando la expresión humana a través de diferentes escenas de protesta, fiesta o relaciones cotidianas. Sus pinturas rompen la lógica de la perspectiva, representando un espacio donde todos nos entrecruzamos y somos intervenidos por los demás. Sus obras, luminosas y coloridas, reflejan su particular percepción sensorial y su relación con la gente y el entorno.

En su obra aborda hitos políticos, sociales y territoriales a través de objetos domésticos, combinando prácticas ancestrales y contemporáneas, códigos digitales y precolombinos, así como elementos de la vida cotidiana.

Pablo Bellot: La materialización del sonido y la incapacidad de comunicar

Presenta una serie de obras donde la cerámica y el sonido se amalgaman, capturando el preciso instante de un grito. Sus cerámicas materializan el sonido y hacen visible lo inmaterial, manifestando la imposibilidad de comunicación del individuo contemporáneo.

La abstracción en su obra no es una evasión, sino un enfrentamiento a lo desconocido. Sus cerámicas visibilizan el sonido a la vez que lo ahogan, creando una tensión entre la comunicación y su imposibilidad.

«Quien se aleja de su casa ya ha vuelto» es un proyecto que explora el sentido de pertenencia y apropiación de un lugar durante el desplazamiento. Consta de la colaboración de dos destacados artistas: Javier Bravo de Rueda (Callao, Perú, 1989 – residente en Bilbao) y María García Ibáñez (Madrid, 1978 – residente en México DF).

El proyecto aborda la noción de «habitar» desde diversas perspectivas. El viaje y la distancia revelan la idea del hogar, reflejando una búsqueda constante de estructuras elementales que remiten a un cuerpo nómada. Los artistas dialogan con el espacio que habitan, marcando los recorridos propios que se van trazando durante el viaje. 

En las obras de María, las líneas se solidifican a través del barro, convirtiendo el acto de dibujar en un ejercicio de demarcación. La instalación actúa como un dibujo que mapea el espacio, utilizando piezas cerámicas como rastros vitales llenos de potencial geográfico.

Por su parte, Javier examina los fenómenos producidos por la multiculturalidad y la acumulación material e inmaterial. Su trabajo profundiza en el sincretismo cultural y en la constante búsqueda de identidad en un mundo cada vez más híbrido. 

El proyecto propone una mirada en dos direcciones: desde América Latina a Europa y viceversa, así como de Europa a Latinoamérica, generando un diálogo multicultural y un choque de perspectivas.

La investigación constante, tanto teórica como técnica, de nuevos materiales es fundamental en la práctica de ambos artistas. 

Claudia Joskowicz presenta «Intersecciones», su primera exposición individual en Jorge López Galería.
La muestra reúne dos obras fundamentales en su trayectoria: la trilogía de videos «Recreaciones» (2007-2009) y la videoinstalación «Cada edificio de la Avenida Alfonso Ugarte – Según Ruscha» (2011). En estas obras, Joskowicz reinterpreta momentos clave de la historia boliviana, utilizando paisajes y espacios públicos como escenarios para reflexionar sobre la violencia, la memoria y la construcción de mitos nacionales.
En «Recreaciones», la artista reinterpreta tres momentos clave de la historia boliviana:
• «Arrastrado y descuartizado» (2007) recrea la ejecución pública de Túpac Katari, líder indígena que se rebeló contra el poder colonial español en el siglo XVIII.
• «Vallegrande, 1967» (2008) se centra en la presentación del cuerpo del Che Guevara a la prensa después de su asesinato en Bolivia en 1967 y en la lavandería donde se lo tendió. Ahora el pequeño edificio, cubierto de grafiti, se ha convertido en una de las paradas más veneradas en la ‘ruta turística del Che’ y, por tanto, parte del mito del Che.
• «Round and Round and Consumed by Fire» (2009) reimagina la muerte de Butch Cassidy y Sundance Kid, dos forajidos estadounidenses que se cree fueron abatidos en Bolivia a principios del siglo XX.
«Recreaciones» invita al espectador a reflexionar sobre la manera en que la memoria histórica se construye y se transmite a través de imágenes y relatos confrontandonos con la violencia, pero también con la posibilidad de resignificar el pasado y reescribir las narrativas oficiales.
«Cada edificio de la Avenida Alfonso Ugarte – Según Ruscha» (2011) es una videoinstalación de dos pantallas que toma como inspiración el libro fotográfico del pintor norteamericano Edward Ruscha «Every Building on the Sunset Strip» (1966). En una toma continua de 26 minutos, Joskowicz documenta la vida cotidiana de la Avenida Alfonso Ugarte en El Alto, una ciudad satélite de La Paz y uno de los centros urbanos más grandes y de más rápido crecimiento en Bolivia. El Alto es, también, uno de los principales sitios donde tuvieron lugar las violentas protestas relacionadas con el conflicto del gas boliviano de octubre 2003. La obra yuxtapone lo cotidiano con el conflicto social, revelando la realidad abigarrada y el genio del lugar, así como la cotidianeidad de los países en vías de desarrollo.
Claudia Joskowicz vive y trabaja entre Santa Cruz de la Sierra y Nueva York. Ha expuesto ampliamente en los Estados Unidos e internacionalmente y su trabajo se encuentra en las colecciones permanentes del Museo Guggenheim, NY; la Fundación Kadist, San Francisco, la Fundación Cisneros Fontanals, Miami, y el Banco Central de la República, Bogotá. Joskowicz ha recibido numerosos premios y becas los cuales incluyen una beca NYFA en cine / video, el premio Anonymous Was a Woman, una Comisión de Artistas de Media Carrera de la Fundación Cisneros Fontanals, una beca Guggenheim en cine / video y una beca Fulbright. Ha sido becaria en Yaddo, Latin American Roaming Art Project, Oaxaca, México, Sacatar Institute, Bahia, Brasil, el programa AIM en el Bronx Museum of the Arts, NY y las residencias Workspace y Cité des Arts, Paris del Lower Manhattan Cultural Council, NY. Una monografía de su trabajo entre el 2006 -2022 será publicada por la Editorial Turner, Madrid en 2024.

El proyecto para ARCO 2024, titulado “Entrelugares: Explorando la Perspectiva del Extranjero en Casa,” tiene como objetivo destacar tanto las visiones internas como las foráneas de nuestra comunidad y sus dinámicas. Este enfoque nos permite mostrar la riqueza de perspectivas que enriquecen nuestra comprensión y nuestra identidad como comunidad. Esta denominación reconoce la importancia de comprender cómo nos percibimos internamente y cómo somos percibidos desde fuera. Busca promover una comprensión más profunda de la complejidad de perspectivas en torno a la colonización y la descolonización, a través de la mirada de artistas nacidos en América del Sur (Latinoamérica) y residentes en Europa y Norteamérica. Todos ellos están a cierta distancia de su país de origen, lo que les permite actuar como observadores externos mientras mantienen vínculos con su realidad y origen específicos. A través de sus obras, exploran cómo se han interpretado y representado el paisaje, la cultura y la identidad. Esta perspectiva se asemeja al “entrelugar” que Edward Said teorizó, habiendo habitado él mismo un espacio intermedio entre Palestina y Nueva York, lo que le otorgó una perspectiva única en su trabajo comparativo entre culturas. Este proyecto para ARCO2024 nos invita a reflexionar sobre cómo las perspectivas foráneas pueden enriquecer nuestra comprensión de otras culturas y regiones del mundo. Además, resalta la importancia de la perspectiva externa en la construcción de la identidad cultural y la narrativa histórica, demostrando cómo esta influencia moldea la forma en que interpretamos y nos relacionamos con nuestra región.