Nombre del autor:jorgelopez

En un gesto de complicidad geográfica y sensibilidad compartida, dos galerías  —ATM y Jorge López —, una arraigada en el Atlántico septentrional de Gijón y la otra proyectada hacia la luz mediterránea de Valencia, han decidido tejer un diálogo conjunto para dar cabida a una propuesta que transita entre lo íntimo y lo expansivo, presentando a una joven artista en la feria SWAB de Barcelona.

La elección de Marta Valledor (Santander, 1995) como eje de esta colaboración no responde al azar, sino a una voluntad clara de apostar por una voz emergente cuyo trabajo ya ha empezado a alterar con sutileza el panorama del arte contemporáneo español.

Valledor, recientemente incorporada a la colección del Museo de Arte Moderno de Santander y galardonada en Swab 2025 con el Premio Kells Collection, sin haber alcanzado aún su plenitud, destaca como una promesa a tener en cuenta entre las jóvenes generaciones de artistas españoles.

La práctica artística de Miguel Rothschild (Buenos Aires, 1963) se adentra en las tensiones entre lo sagrado y lo profano, lo sublime y lo frágil, lo devocional y lo irónico. Desde Berlín, ciudad en la que reside desde hace tres décadas, ha desarrollado un lenguaje en el que materiales cotidianos —vidrio estallado, nylon, alfileres, hilos de pescar, confeti, diamantes de cristal— se transforman en vehículos de lo numinoso, en paradojas visuales que desestabilizan la percepción y complican la experiencia estética.

Como recordaba Walter Benjamin, “no existe un documento de cultura que no lo sea al mismo tiempo de barbarie”. Y también advertía que, al salir de las iglesias y entrar en los museos, las imágenes religiosas perdieron su función litúrgica, pero conservaron su valor cultural. Es en ese umbral donde se sitúa Rothschild: no pretende restaurar la fe perdida, sino activar una memoria visual cargada de símbolos desplazados, de restos, de aura en retirada.

La exposición “Felices los que creen sin haber visto” despliega esa tensión en un conjunto de obras que reactivan la potencia simbólica de lo sagrado mediante estrategias matéricas, visuales y poéticas. En Lo Numinoso, la transparencia y la vibración de hilos de pescar tensados sobre papel fotográfico condensan la búsqueda de lo invisible, la intuición de una presencia que no puede mostrarse sino insinuarse. Esa misma fragilidad aparece en Absolución, donde las fotografías de confesionarios convertidas en juegos de precisión con bolas de acero convierten el rito del arrepentimiento en azar y repetición. La violencia sobre la imagen abre paradójicamente un horizonte de redención: la herida se convierte en vía de liberación.

Extracto del texto de Iñaki Martínez Antelo

La galería madrileña José de la Mano y la valenciana Jorge López, viajan hasta Turquía para participar en la feria: Contemporary Istanbul 2024

El proyecto expositivo para IC (Istanbul Contemporary 2024) une a dos destacados artistas de origen turco y armenio cuyas vidas y obras reflejan las complejas dinámicas de la migración y la interculturalidad, indagando sobre la revalorización de las identidades y del origen común. Joseph Terdjman (1924-2001), nacido en Armenia y emigrado a París, donde desarrolló su obra y práctica artística, y Volkan Diyaroglu, nacido en 1982 en Estambul y residente en Berlín.

En línea con el espíritu Palán-Palán, la galería Jorge López abre sus puertas a distintas “invasiones”, apariciones inesperadas de obras ajenas: en algunos casos los invitados son amigos, en otros, artistas admirados, en otros aún, la elección es casi aleatoria. En todo caso, el encuentro enriquece ambas partes y esclarece las intenciones recíprocas: Alberto se propone el desafío de mirarse a través del otro, desentrañando en breves textos el vínculo que lo une a quien cohabita su espacio.

Al difuminarse el límite entre el yo y el otro, también se complejizan las nociones de autoría y de propiedad: la relación intercambiable entre todos y la resignificación mutua hace a la exposición y, más en general, al sistema, incluso en términos de valor simbólico.

Extracto de texto de Benedetta Casini, curadora Independiente.

Es un proyecto realizado para la feria CerARTmic 2025, reuniendo a 3 artistas destacados como : Javier Bravo de Rueda, Eduardo Barco y Pablo Bellot, como si trataramos de un catálogo imposible, una arqueología de situaciones que nunca existieron, pero que habitan en cada obra de cerámica.

Aquí, la cerámica es tratada como una forma viva, que recuerda, que respira, que grita, que escribe y que sueña.

Este proyecto parte de una intuición: la cerámica no es solo tierra cocida, es voz endurecida por el fuego , es cuenco, es urna, es ladrillo.

Cada obra guarda un eco en 3 estadios: el fuego, el grito y el código.

La cerámica, aquí, es algo más que un objeto.

Es testigo.

Es voz.

Es archivo.

Tierra de Nadie es el proyecto ganador de la primera edición del Programa Petrona, una iniciativa del Departamento de Internacionalización de la Cultura del Ministerio de Educación y Cultura de Uruguay y que recibe el apoyo de la Universidad Miguel Hernández de Altea, España.

El proyecto se desarrolla en el marco de la segunda residencia de Jorge López Galería, donde la artista uruguaya Candela Bado es invitada a trabajar durante un mes en la Universidad Miguel Hernández de Altea y está comisariado por Agustina Bornhoffer.

Candela Bado crea instalaciones que consideran la relación entre objetos que dividen el espacio interior doméstico y las estructuras exteriores que lo operan. En su obra utiliza el azulejo explorando su función limítrofe, simultáneamente registrando en su superficie la transformación de materia. En la acumulación y disposición de estos elementos cerámicos, la cuadrícula se convierte en un sistema de orden y tensión, articulando una espacialidad que propone nuevas formas de interpretación desde la observación cenital y la constelación de objetos.

Desde una mirada matérica, Tierra de Nadie examina el tránsito de los cuerpos dentro y fuera del hogar a través de la circulación de elementos como el agua, el cristal, la cerámica y el metal, poniendo en tensión la función de estos sitios construidos, ya sean como un lugar de contención o de exclusión. En este sentido, la obra cuestiona la manera en que los lenguajes arquitectónicos han sido utilizados para imponer normas de orden y separación en el espacio habitable.

Candela Bado (Montevideo, 1991) es una artista visual que trabaja con escultura, cerámica e instalación, explorando el poder de los objetos liminales y su relación con el espacio y la memoria. Ha estudiado en la Royal Academy of Art de La Haya y en la Universidad de Columbia en Nueva York. Su obra ha sido expuesta en instituciones como en Wallach Gallery en Nueva York, TENT Rotterdam y Salone Internazionale del Mobile en Milán, entre otros. Próximamente, participará en la residencia Skowhegan School of Painting & Sculpture en Estados Unidos.

Este proyecto es un laberinto cultural que conecta artistas de Europa y Latinoamérica, reflejando el viaje del migrante. Cinco artistas presentan obras que evocan un “cante de ida y vuelta”, enriquecidas con influencias de ambos lados del Atlántico. Las obras presentadas trazan rutas culturales, explorando la pertenencia y el desplazamiento. El recorrido culmina en una reflexión sobre la migración y la transformación artística, uniendo océanos y culturas en un intercambio continuo.

Desde Estambul, atravesando el Mediterráneo, hasta México, el  Río de la Plata y regresando por la Antártida, este viaje no solo revela el enriquecimiento de las distintas musicalidades que se producen en el tránsito, sino también la adaptación y evolución artística que surge de la interacción entre continentes.

Los artistas—María García Ibáñez (España/México), Álvaro Porras Soriano (Valencia), Volkan Diyaroglu (Estambul/Berlín), Matías Ercole (Buenos Aires) Amparo Tormo (Valencia) y Manuel Vilariño (Galicia)—se sitúan en el espacio del stand como un recorrido que traza una cartografía de rutas marítimas y culturales entre Occidente y América, comenzando en Valencia.

Álvaro Porras (1992, Ciudad Real) artista residente de la galería y Eduardo Barco (1970, Ciudad Real) artista invitado, se alían para dar forma a la exposición “En este lugar donde nada es mío” una proyecto que plantea un diálogo entre las obras de Porras y Barco, dos artistas que se encuentran en una exploración en torno a la potencia lingüística de la abstracción.

Inspirada por el poema Maldito yo del también ciudadrealeño Dionisio Cañas (Tomelloso, 1949), la exposición recoge una serie de ejercicios que evocan una relación compleja con el paisaje y la construcción de pertenencia que de ello se deriva, como el primer verso del poema: «En este lugar donde nada es mío, ni mi vida, ni mi muerte…».

El texto de la exposición es obra de Álvaro de los Ángeles: (…) en los artistas no parece haber duelo, ni nostalgia por la pérdida, ni resignación ante lo previo o lo por venir. Más bien emana, en las piezas escultóricas o en los lienzos de ambos claramente personales y diferenciados, la constatación de un imaginario que combina la mirada cruzada de la sofisticación con la frontal de aquello que es simple y directo.

“The alter ego took my hand and brought me here” En esta propuesta expositiva de Jorge López Galería, Gema Polanco (Valencia 1992), nos introduce a su mundo a un viaje a una introspección que revela y honra nuestra vulnerabilidad, abordando el autocuidado y la salud (mente-cuerpo) como una travesía transformadora hacia la metamorfosis que exige el autoconocimiento. Aquí se habla de la crudeza y la lucha por encontrar la paz en nuestras mentes, por romper esos patrones destructivos que, a menudo sin darnos cuenta, se incrustan en nuestro interior como un mecanismo de defensa. En un acto de brutal honestidad, la artista crea trajes de mutación, en los que la intuición y los deseos se entrelazan para construir refugios, espacios de posibilidad, autocuidado, lucha y resistencia. 

Estos trajes y espacios nos invitan a entrar, a abrazar lo que hemos callado, a recorrer ese camino que nos conduce al autoconocimiento. Gema Polanco en ¨ The alter ego took my hand and brought me here¨ grita, lanza auto conjuros desde lo más profundo de su ser, con todas sus contradicciones. Nos invita a sumarnos, a gritar junto a ella, a remendar y coser nuestras heridas, a atravesarlas, a abrazarlas para finalmente habitarlas. A fundar junt@s los cimientos de una plataforma de lanzamiento cósmica compartida y propia, donde nuevas formas de cuidado -honestas, accesibles y pacíficas- sean posibles. 

El alter ego me cogió de la mano y me condujo hasta aquí. Ha salido de las grietas, como si hubiera estado esperando su momento. Ese traje de mutación se ha fundido con “Ella”, la artista, y ahora es parte de su ser. Se mueve con una ligereza casi fantasmal, arrastrando tras de sí zarcillos que se alargan y retuercen, queriendo ser tentáculos de alguna criatura marina ancestral. Se deslizan y se elevan, y en su recorrido aparecen figuras como la lágrima y la estrella/llama, obsesiones de su adolescencia, nacidas de las siluetas maquilladas del Black y el Glam Metal.

Es fascinante cómo el grafito sobre papel y la fotografía en blanco y negro, pese a su aparente oposición, convergen en un punto esencial. Dos extremos que, en lugar de repelerse, se encuentran en un punto secreto, una especie de conspiración estética. Lo intrigante es que ambos operan en el terreno de la ausencia, de lo no dicho, de lo que apenas se insinúa, como si estuvieran escribiendo en una lengua secreta, una escritura hecha de silencio.

Hay una curiosa simetría en la confrontación entre el grafito y la fotografía en blanco y negro, como si ambas formas de arte se reflejaran en un espejo infinito, donde los opuestos no se anulan, sino que se complementan en un enigma esencial: la escritura del silencio, la traducción del vacío.

El grafito de Joan Cardells, ese trazo negro y elemental, no es solo una línea sobre el papel; es una sombra que ha decidido detenerse. Es una línea que, por un capricho del destino, se niega a avanzar, conteniendo en su interior un grito que no se atreve a salir. Hay algo fascinante en ese silencio, en ese rastro oscuro que, en realidad, es la luz en su forma más pura y esencial. Es la sombra detenida en el tiempo, un grito petrificado en la superficie del papel, un eco que persiste en su mudez. Como en los espejos de Borges, es una estela de oscuridad que, en su contradicción, es también la forma más pura de la luz.

Por otro lado, la fotografía de Manuel Vilariño, escritura de la luz en su acepción más literal, captura el instante en que la sombra parece rendirse. La luz se deposita en la superficie sensible, pero lo que verdaderamente se revela es aquello que no está, lo que la luz no alcanza a tocar. Es la paradoja del instante congelado: cuanto más intensas son las zonas iluminadas, más insondable se vuelve el silencio de las sombras. Estas actúan como un espejo que refleja el momento en que la negrura parece ceder ante la luz. Pero lo que realmente captura no es la luz, sino la sombra, lo que queda fuera del alcance de la luz. Y es ahí, en esa paradoja del instante detenido, donde la fotografía se convierte en una trampa luminosa que atrapa lo invisible, lo que permanece fuera del foco.

Hay algo casi mágico en estas obras, en esas figuras que apenas se esbozan en un trazo o en esa luz que, al desbordarse, deja tras de sí una sombra inquebrantable. Es en ese espacio intermedio, en esa tierra de nadie donde la sombra y la luz se entrecruzan, donde la obra de Cardells y Vilariño se encuentra y dialoga sin palabras, en un lenguaje hecho de ausencias, de vacíos que, de pronto, se transforman en presencias.

El dibujo con grafito y la fotografía son, en el fondo, dos formas de escribir sobre la nada. Cardells deposita una sombra; Vilariño atrapa una luz. Pero ambos esculpen y modelan ese vacío que, en su propia negación, se convierte en algo tangible, casi palpable. Es un juego, un artificio que, en su simplicidad, esconde una complejidad infinita.

El dibujo de sombras de Cardells se adentra en la penumbra para buscar una verdad que no se puede ver a plena luz del día. La ausencia de color es una estrategia, un truco para dirigir la atención hacia lo que realmente importa: la estructura, la forma, ese esqueleto de sombras que da cuerpo a la realidad. En esa penumbra, en esa zona de grises, Cardells encuentra un lenguaje propio, un lenguaje que habla con silencios, con sugerencias que tienen más peso que cualquier afirmación rotunda.

Vilariño, con su fotografía, hace algo similar, pero en sentido inverso. Toma la luz, esa luz que todo lo revela, y la usa para esconder, para envolver lo visible en una capa de misterio. Sus imágenes, llenas de una serenidad que parece venida de otro mundo, surgen como fantasmas de la penumbra, no para asustar, sino para invitar a un estado de contemplación, de reflexión.

Cardells y Vilariño, en este juego de sombras y luces, nos llevan a un terreno donde la realidad se vuelve ambigua, donde lo que importa no es lo que se muestra, sino lo que se insinúa, lo que queda fuera de cuadro. «El silencio de las sombras» es, entonces, más que un título, una especie de declaración de principios. Un tributo a la fragilidad, a la sutileza, a esa belleza que solo puede existir en la sombra, en lo no dicho, en lo que queda por descubrir o, tal vez, nunca se revele.

Organizan 𝟭𝟴|𝟱𝟮 𝗕𝗶𝗼𝗵𝘂𝗯 𝗟𝗶𝗳𝗲 𝗦𝗰𝗶𝗲𝗻𝗰𝗲 𝗔𝗿𝘁 𝗖𝗼𝗹𝗹𝗲𝗰𝘁𝗶𝗼𝗻 y Jorge López Galería