Nombre del autor:jorgelopez

Show me your depths; I will show you mine
Muéstrame tus profundidades; yo te mostraré las mías
Se apropia y alía con la estética del punk , lo rebelde, lo espontáneo. Da voz a una serie de proclamas de autocuidado mediante piezas textiles e instalativas, gigantes pancartas, alter egos, pensamientos, escamas, sombras de ojos desproporcionadas, gritos, sacudidas de cuerpo y movimientos de desfogue que se convierten en metáfora de un refugio y escenarios de posibilidad y resistencia.
Show me your depths; I will show you mine, invita a adentrarte en ti y a habitar tus espacios oscuros y silenciados. Se apodera de códigos y lenguajes propios del Rock y la actitud punk, cuya historia puede rastrearse desde el da-daísmo hasta el situacionismo, actitud revivida en la producción artística contemporánea, retomar en un nuevo momento esa actitud, como el ruido, la tipografía recortada, el antidiseño y la fealdad; o la inclusión de referencias musicales directas. La negación, la velocidad y la falta de virtuosismo es su leitmotiv. “No future” fue uno de los eslóganes que el punk se apropió de movimientos culturales anteriores, el punk como un adjetivo que califica una forma de entender el mundo.
Show me your depths; I will show you mine el proyecto de Gema Polanco para ARTE SANTANDER se define como la actitud, de negación, oposición y destrucción; la referencia al miedo y al terror en una sociedad que aliena a los individuos; el nihilismo; la crítica al sistema económico y la anarquía.
Show me your depths; I will show you mine es una reivindicación de una neo-liberación sexual, el cuerpo como lugar de batalla en una nueva producción artística que revela los principales elementos que definen la actitud de una nueva generación de artistas como forma de entender la cultura y, por extensión, de estar en el mundo.
Show me your depths; I will show you mine ponen en valor nuestra vulnerabilidad femenína, remitiendo de esta forma al autocuidado y a la salud para hablar del viaje transformativo y la metamorfosis que conlleva el autoconocimiento, el autocuidado. Un grito de confianza y hartazgo.
Todas las piezas bordadas están realizadas con una máquina de coser doméstica modificada, permitiendo usarse de manera performativa, realizando un viaje no lineal de construcción y deconstrucción simultánea.
Somos contradicción, “somos esto y lo otro”, somos complejas, somos con las otras. Mutamos, nos transformamos y buscamos la forma de sernos fieles a nosotras mismas, con el deseo de dejar atrás el cuidado por supervivencia o necesidad como única forma de existencia.

ARCO – Back-story

El proyecto plantea una visión de contrastes. De Conflictos y dualidades, en un umbral resbaladizo entre las realidades digitales y realidades físicas.
De lo sólido con formas básicas, puras y plenas de Amparo Tormo, a lo liquido, flexible, digital y colorido de Inma Femenía, de la imagen coleccionada, apropiada, capturada y superpuesta de Alberto Feijóo, a la pintura de Volkan Diyaroglu tratando de hacer tangible el mundo que existe mas allá de la pantalla, de superar la instantánea con la inmovilidad de la pintura, a modo de animaciones pausadas.
El término “Back-Story” se usa comúnmente en el cine y en el periodismo para relatar historias cotidianas, para dar antecedentes de un incidente que se está contando. Se refiere a los eventos que tuvieron lugar cronológicamente antes de la narración principal, antes de su exposición en ARCO.
La historia de fondo se revela a través de la “Exposición” de hechos y antecedentes, como una visión, un flashback, una puesta en escena.
La relación de estos 4 artistas es una puesta en escena a modo de diálogo y confrontación donde se pone en contraste sus obras, velando y desvelando el contenido desde los diferentes ángulos de visión del stand, como si se tratara de una historia de fondo que puede ser revelada.
La relación de estos artistas se presenta como una paridad armoniosa, una puesta en escena, llena de matices y contrastes, como una prolepsis, como un proyecto en desarrollo. Las obras se transmutan, dejando entrever sus cualidades formales y conceptuales de transparencia, opacidad, luz, trazo, múltiplo, verticalidad, fragmento y unión, para transformarse en una escena casi líquida, frágil en constante tensión y contraste. Una puesta en escena donde un fragmento aparece inoportunamente por aquí y por allí, para recordarnos la era en la que vivimos.
Back-Story – nos invita a terminar un relato; a que nos adentremos por la delicada tensión entre las obras de estos artistas, una experiencia entre materiales flexibles y rígidos, orgánicos e industriales, fragmentados o degradados, digitales o físicos, por discursos dislocados extraídos de la levedad de la vida cotidiana.

Las Pendientes

Azuladas llegan
Por Renata Cervetto
– Las gorgonas vuelven a encontrarse…
– Sí, aunque me gusta más pensar que vuelven a buscarnos, a recordarnos que estamos jugando y que las reglas son cambiantes.
– Todo depende de la máscara que elijamos usar.
– Y cómo nos adaptamos de forma colectiva.
Hace ya varios años que la artista argentina Valeria Maculan saltó de la bi dimensionalidad de la pintura para adentrarse en el espacio de forma activa y propositiva. Esa decisión le abrió un nuevo campo de juego que la llevó a experimentar con nuevos materiales – telas, cintas, papel, madera, alambre – con los que comenzó a crear objetos ornamentales como coronas, cetros tirsos y máscaras. De forma natural aparece así el cuerpo y sus posibilidades: su estructura, motricidad, y su capacidad de representación. En Boneless (2017), por ejemplo, nos enfrentamos a una serie de telas superpuestas que cuelgan de forma vertical, suspendidas de sus esquinas superiores, asemejando cuerpos inertes sin estructura que flotan en el espacio a la altura del espectador. Más adelante, recobrando el peso y la gravedad, vinieron los Esqueletos (2019) y Escudos (2021), capaces de ser activados de forma manual para darles movimiento. La capacidad de ser otro (de personificar) y, a la vez, de articularnos como cuerpo colectivo, son aspectos que recorren esta serie de obras, junto al marcado interés de la artista por el teatro, la tragedia griega, los autómatas y la literatura de ciencia ficción. Las Gorgonas (2022), sin embargo, aparecieron por primera vez al jugar con figuras recortadas de papel, pintadas y pegadas. Encerradas, empujando por salirse de los márgenes que le impone el propio material, estos cuerpos articulados parecen flotar dentro del espacio pictórico.
La representación de estos personajes, ya sea de forma tridimensional o desde la misma pintura, da cuenta de la formación visual de Maculan y su diálogo con las corrientes estéticas de su país natal. Podríamos imaginar un trazado que comienza con el estudio de los Arlequines, óleos de gran formato que Emilio Pettoruti realizó en las décadas 1920 y 1930. Esos cuerpos disfrazados de músicos y juglares, facetados por planos de color sobre fondos oscuros o imaginarios, supieron mostrar su resiliencia contra aquellos volúmenes académicos torneados a partir del claroscuro. Una década más tarde, Juan Batlle Planas – pintor catalán radicado en Argentina – recuperaría este lenguaje pictórico y lo llevaría hacia las tendencias surrealistas que circulaban por aquellos años en diálogo con el psicoanálisis. Sus témperas y dibujos reflejan cuerpos extrañados, geométricos y enmascarados, que serán también protagonistas en las obras de su discípulo Roberto Aizenberg. Por último, las obras del artista Líbero Badíi nos acercan cuerpos máquinas de dos o tres cabezas, desmembrados y ensamblados de forma lúdica y expresiva. Si bien su figuración linda más con lo siniestro y desestabilizador, sus esculturas se aproximan a esos cuerpos más-que-humanos que, articulados por medio de tornillos y engranajes, se despliegan de forma contundente.
Las preguntas por el cuerpo y su inserción en el espacio resuenan en la búsqueda de Maculan, que allá por 2008 se autodefinía como “una enredadera”, ocupando pisos y paredes con raíces de plástico y plantas que crecían orgánicamente durante el periodo de exposición. Esa materia expansiva y húmeda se rearticula hoy en Las pendientes, gorgonas azuladas que se despojan de todo exceso y artilugio. De hecho, al levantar un poco la mirada, penden del techo gráciles y expectantes. Colgando de forma irregular, nos interpelan de forma directa en un aparente caos que, bajo todo pronóstico, se muestra bajo control. La tensión entre su aparente quietud y movimiento nos invita a recorrerlas sin caminos preestablecidos, a ocupar su espacio y danzar con ellas en ese errático ir y venir que proponen sus figuras. Quizás el siguiente paso sea imaginar qué subjetividad y agencia tienen estas cuerpas al cobrar vida propia, y qué formas tendrán estas colaboraciones inesperadas en el entorno que decidan ocupar.
Renata Cervetto
(Buenos Aires, Argentina, 1985) Comisaria e investigadora. Es licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Buenos Aires (UBA) y realizó el programa curatorial del Appel Arts Centre (Ámsterdam, 2013-14), fue comisaria de la XI Bienal de Berlín, La grieta empieza por dentro, junto a Agustín Pérez Rubio, Lisette Lagnado y María Berríos.